9. El teatro español anterior a 1936 «teatro comercial» «teatro innovador»

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   1.  Introducción  En general, el teatro español vive bastante ajeno a las corrientes renovadoras europeas, entre otras razones por la presencia de un público burgués inmovilista y deseoso de evasión, que solo mostraba su interés en el teatro comercial, de poca calidad, y que se opónía a las tendencias experimentales y minoritarias que se daban por entonces en el contexto europeo. Así pues, en el primer tercio de siglo, el teatro español se reparte en dos frentes:*
Teatro comercial, continuador del que se daba a finales del XIX (drama postromántico, costumbrista, alta comedia en la línea de Echegaray…), orientado a un público burgués, escasamente crítico y que aporta pocas novedades técnicas. Es el teatro que triunfa en las salas teatrales de la época. En este grupo se incluye: *
Comedia burguesa, cuyo máximo representante es Jacinto Benavente.  *
Teatro en verso, neorromántico y con aportaciones del Modernismo, en una línea tradicionalista.* Teatro cómico, costumbrista, también en la línea tradicional y de carácter popular.   * Teatro innovador, que pretende ofrecer un nuevo tipo de obras, bien por su carga crítica, bien por sus innovaciones técnicas, o bien por ambas. Esta tendencia fue, en su mayoría, un fracaso comercial. En este grupo se incluye: * Teatro de los autores del 98. Caso especial es el de Valle- Inclán.* Teatro de los autores del 27. Destacaremos a Lorca.

2. LA COMEDIA BURGUESA: JACINTO BENAVENTE. Recibíó el Premio Nobel en 1922 (segundo autor teatral que lo recibe, después de Echegaray).
El teatro de Benavente pasa por dos etapas muy claras:* Intento de renovación técnica y de crítica social en su primera obra, El nido ajeno (1984). En esta obra analiza y critica la situación de la mujer casada en la sociedad burguesa, utilizando un lenguaje sencillo y sobrio.* “Comedias de salón”. Ante la poca acogida de la obra, limitó asperezas y optó por una posición menos crítica. A partir de este momento compuso obras que se ajustaban a los gustos del público de su tiempo, aunque nunca renunció a la introducción de una ligera crítica social. Los temas y personajes de la comedia burguesa se corresponden con los de las clases medias y altas de la sociedad de entonces y con los conflictos típicos de esos grupos sociales: amores insatisfechos, infidelidades, hipocresía, murmuraciones, hijos calavera. En obras como La noche del sábado (1903), Rosas de otoño (1905), Benavente consiguió un teatro a la medida de la burguésía de la época, que lo convirtió en el autor más representado.De estas carácterísticas se escapan dos obras suyas que, sin embargo, se han convertido en las más interesantes de su producción teatral: Los intereses creados (1907), y La malquerida (1913). La primera desarrolla en tono de farsa (por medio de personajes que proceden de la ‘commedia dell´arte ‘italiana) el tema del poder del dinero, contraponiendo el mundo del interés y el mundo del amor, pero no para reivindicar éste a la manera romántica, sino desde un cierto escepticismo cínico y pragmático. Las otras dos siguen  el modelo del ‘drama rural’, un tipo de teatro que, ambientado en un mundo campesino dominado por la fatalidad y por atavismos ancestrales, desarrolla un violento mundo de pasiones no controladas por la educación urbana.

3. TEATRO EN VERSO:Surge directamente de la corriente modernista. Se trata de un teatro de pura evasión, sin relación inmediata con la realidad, que recupera temas históricos y legendarios y, en el caso de Marquina y Villaespesa, de ideología conservadora y tradicionalista. Destacan Eduardo Marquina (Las hijas del Cid y En Flandes se ha puesto el sol, sus obras evocan una supuesta España eterna para contraponerla a la de su tiempo, donde “todo es mezquino, trivial, asqueroso”) y los hermanos Machado (Antonio y Manuel Machado escriben en colaboración La Lola se va a los puertos).

4. TEATRO CÓMICO: comedia costumbrista y sainete. Hecho para divertir al público. Es un género heredero de los entremeses del Siglo de Oro. Sus carácterísticas principales son:* Ambientación popular* Historia amorosa con final feliz* Humor y lenguaje sencillo.Entre los autores de esta tendencia destacan:* Los hermanos Álvarez Quintero, que reflejan la vida amable de una Andalucía tópica y sentimental en obras como El genio alegre y Malvaloca.* Carlos Arniches, con sainetes de ambiente madrileño y castizo. También cultivó un género nuevo, la “tragedia grotesca”, donde combina lo risible con lo conmovedor, y una actitud crítica ante las injusticias. Destaca en este sentido La señorita de Trevélez, Los caciques…* Pedro Muñoz Seca, que crea otro género, “el astracán”, cuyo objetivo era obtener la carcajada a través de obras descabelladas. Destaca La venganza de don Mendo, parodia de dramas románticos y del teatro en verso de la época.

5. INTENTOS RENOVADORES: Muchos son los autores que pretenden hacer un teatro diferente en estos años, pero, en la mayoría de los casos, estas nuevas fórmulas no tuvieron éxito.

 1. TEATRO DE LOS AUTORES DEL 98 Al margen de pretensiones comerciales, estos autores (Unamuno, Azorín, Valle-Inclán y Jacinto Grau) pretenden hacer un teatro que sirva como cauce para la expresión de sus conflictos religiosos, existenciales y sociales. Construyen un teatro intelectual y complejo que enlaza con las tendencias filosóficas y teatrales más renovadoras del panorama occidental de la época. Técnicamente, intentan romper con las formas realistas de la representación.

* Unamuno: hace dramas de ideas, con un diálogo denso y poco apto para la escena . Crea lo que se ha llamado “teatro desnudo”, en el que los personajes se reducen al mínimo, así como la escenografía, para centrarse en la palabra reveladora de la interioridad humana. Destacan Fedra, El otro.

    * Azorín: en la línea de lo antirreal y simbólico. Da importancia a la escenografía, al diálogo; sus temas básicos son la felicidad, la muerte y el tiempo.  Destaca la trilogía Lo invisible.

    * Jacinto Grau: Destaca su obra El señor de Pigmalión.

6. TEATRO DEL 27: Los autores del grupo del 27 se propusieron tres objetivos en la realización de sus obras:* Incorporar elementos vanguardistas que rompieran con la representación realista.* Acercar el teatro a la población apara que no fuera un género exclusivo de la burguésía. * Incorporar la poesía al teatro, no solo con el uso del verso en algunas de sus obras, sino sobre todo con la carga poética de sus contenidos.* Los autores más destacados en el terreno teatral de este grupo fueron Max Aub, Rafael Alberti y, por encima de todos, Federico García Lorca.* Pedro Salinas: aunque su teatro corresponde al exilio, destacan  El dictador, La cabeza de Medusa.* Rafael Alberti: El hombre deshabitado, de tono surrealista; Fermín Galán, en la línea de teatro comprometido; Noche de guerra en el Museo del Prado, teatro político; La gallarda, muy poetizado.* Max Aub: el tema central es la incapacidad del hombre para entenderse. Los trasterrados, Morir por cerrar los ojos.

7. VALLE-INCLÁN: Para algunos el autor más importante de la dramaturgia nacional. Su obra supone una revolución en la historia del teatro español y la semilla de los nuevos caminos abiertos por el teatro actual: para referirse a él se hablará de «compromiso con la realidad», «teatro de denuncia», «técnica del distanciamiento», «teatro del absurdo». Evoluciona desde un Modernismo elegante y nostálgico a una literatura crítica, basada en una feroz distorsión de la realidad.Su obra teatral suele agruparse en tres ciclos: a) El mito. La acción transcurre en una Galicia mítica, intemporal: Comedias bárbaras,  Divinas palabras.B) La farsa. Obras situadas en un espacio más ‘ridículo’, propio del Siglo XVIII: jardines, rosas, cisnes: La marquesa Rosalinda,  Farsa y licencia de la reina castiza.C) El esperpento: Luces de Bohemia, (1920) y la trilogía Martes de carnaval (Los cuernos de don Friolera, 1921; Las galas del difunto, 1926; La hija del capitán, 1927).

Esperpento: persona extravagante, absurda. Para Valle es una estética que quiere “ser una superación del dolor y de la risa”. Su mejor definición se halla en la escena XII de Luces de bohemia (libro pág. 279). En 1928, en una entrevista, Valle decía que había tres maneras de ver el mundo artística o estéticamente: de rodillas, en pie, o levantado en el aire. Cuando el autor mira desde abajo, la realidad aparece enaltecida, los personajes como héroes –así en la tragedia clásica-; si se mira al mismo nivel, los personajes son como nuestros hermanos –así en Shakespeare- ; si los miramos desde arriba, resultarán muñecos o peleles – así en Quevedo_. Desde esta última visión surge el esperpento.EL ESPERPENTO es un intento de presentar la realidad española, pero dando no una visión natural y real, sino presentando los hechos de una manera exagerada y burlesca. Nos presenta una realidad deformada, para que el espectador quede sorprendido y tome conciencia de la misma. El objetivo es parecido al mismo que perseguirá más tarde B. Brecht con su técnica del «distanciamiento». Se presenta en el escenario un mundo insólito y sorprendente, para que el espectador lo relacione con su propia realidad cotidiana y se dé cuenta de lo que esta tiene también de insólito.

El TEATRO esperpento (hay obras esperpénticas que no son teatro: el poema La pipa de Kif y las novelas Tirano Banderas y El ruedo ibérico) es un teatro de crítica de una realidad  falsa y de unos valores que ya no tienen sentido. (Actitud crítica de los hombres del 98, a la que se incorpora Valle después de una época de literatura preciosista cargada de princesas, salones, aristocracia; sin embargo, en esta época la crítica noventayochista ya había cedido).  Algunos rasgos del esperpento:o Deformación, distorsión de la realidad; se esperpentiza incluso la muerte, que se deforma paródicamente. Descubre cuanto hay de negativo en la condición humana, siempre con una intención crítica, aunque no proponga soluciones. O Degradación de los personajes mediante rasgos de animalización, cosificación o muñequización. De esta manera, entre los personajes predominan los fracasados, los bohemios, los borrachos y prostitutas, los mendigos…que pululan en ambientes míseros como burdeles, tabernas y antros de juego, calles inseguras de un Madrid nocturno. O Empleo de contrastes, especialmente entre lo doloroso y lo grotesco.O Tipo de humor agrio, mordaz. Valle se ríe de todo lo que observa y utiliza la sátira. O Lenguaje rico, con variedad de registros, bien para caracterizar a sus personajes, o bien al servicio de la parodia o de la crítica. Valle muestra su dominio del lenguaje, su maestría en el uso de coloquialismos, modismos, habla acanallada, jergal, barriobajera o culta…o Dominio del diálogo.O Inclusión de luces, sombras y espejos (recordaremos los del callejón del Gato, en Madrid), donde la realidad, deformada, se mezcla con la fantasía o el ensueño, siempre tragicocómico.

LUCES DE BOHEMIA:


Argumento: la obra cuenta la última noche de la vida de Max Estrella, poeta miserable y ciego que peregrina, acompañado por don Latino, al fondo de la noche donde ve todas las miserias.  Max Estrella, después de haber sido desposeído de la posibilidad de poder vivir malamente con su familia, después de haber sido encarcelado, abofeteado, perdido su dignidad al aceptar una arbitraria pensión, se muere arrimado al quicio de una puerta y es traicionado por su lazarillo (le roba la cartera). Pero la obra se convierte en una parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en una España deformada, injusta, opresiva, absurda, donde no hay lugar para la pureza, la honestidad o el arte noble. Estructura: se divide en 15 escenas en distintos ambientes, y ligeramente inconexas, a no ser por ciertos elementos unificadores como la presencia de la muerte desde la escena 1 (invitación al suicidio) que anticipa el final de la obra, o la cuestión del billete de lotería, que puede sacar de la miseria a Max, y que saldrá premiado cuando ya ha muerto. Pero la sucesión escénica responde a una cuidada estructura:  1. Preludio: escena I (Max en su casa : anhelo de morir)2. Cuerpo central de la obra: peregrinación de Max  por la noche madrileña. Escenas II- XII (I-VI: Max en el calabozo con el obrero catalán; VII-XI: salida de la cárcel hasta la muerte del obrero catalán)3. Final de la peregrinación: escena XII. Max vuelve a casa y muere. Se expone la teoría del esperpento.4. Epílogo: escenas XIII-XV. Se lleva a cabo el suicidio anunciado en la escena I.  * Personajes. Protagonizan la obra Max Estrella (nombre simbólico) y don Latino, un bohemio fantoche, desleal y canalla en las últimas escenas. Aparte desfilan los burgueses (el librero Zaratustra, Pica Lagartos…), los policías, los pedantes, los personajes populares… Todos sirven para exponer la visión crítica del autor. Hay alusiones a personajes históricos con su propio nombre: Unamuno, Alfonso XIII, Pastora Imperio, Antonio Maura, Joselito. En la obra se critica la historia pasada –imperial de Felipe II- la contemporánea, la represión policial, la religiosidad tradicional y vacía, las instituciones literarias, escuelas. La obra constituye una sátira política y social de la España contemporánea, un lugar lleno de injusticia, miseria, estupidez, arbitrariedad y violencia; un lugar sin más salida que la muerte.

8. Federico GARCÍA Lorca


La obra dramática de Lorca puede agruparse en tres grandes bloques: – Primeras piezas teatrales. En 1920 estrena El maleficio de la mariposa, obra de influencia modernista sobre el amor entre una cucaracha y una  linda mariposa, que inaugura ya el tema fundamental de la dramaturgia lorquiana: la insatisfacción amorosa. El estreno fue un fracaso del que Lorca se resarcíó pronto con Mariana Pineda, drama histórico basado en la heroína ajusticiada por Fernando VII en Granada por haber bordado una bandera liberal. A estas dos obras se unen las farsas trágicas sobre amores desgraciados de La zapatera prodigiosa y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín. En esta primera época también compone varias piezas breves de teatro de marionetas, al que dio la denominación de “Los tííteres de cachiporra”; en ellos desarrolla otro de los temas nucleares de su dramaturgia: el conflicto autoridad/libertad.-Teatro vanguardista: las comedias imposibles o misterios.Lorca dio este nombre a las comedias creadas bajo el influjo surrealista. La técnica surrealista le vale para explorar en los instintos ocultos del hombre. Así en El público (incompleta) Lorca defiende el amor como un instinto ajeno a la voluntad, que se manifiesta de formas muy diversas, entre ellas, la homosexual; y critica a una sociedad que condena a todo el que es diferente.- La etapa de plenitud. Lorca escribe durante los años treinta obras teatrales que sí alcanzan el éxito comercial: Bodas de sangre,  Yerma, Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores y La casa de Bernarda Alba. Todas ellas tienen en común el protagonismo de las mujeres, cuya situación de marginación social es tema común en las cuatro. Bodas de sangre y Yerma son dos tragedias de aire clásico, en las que Lorca mezcla la prosa y el verso, utiliza coros como en la tragedia griega para comentar la acción, maneja elementos simbólicos y alegóricos… En Bodas de sangre (una novia huye con su antiguo novio el día de su boda”) aparecen temas conocidos de Lorca (el amor, la violencia, la muerte, las normas sociales que reprimen los instintos). Yerma aborda otros temas muy lorquianos: la esterilidad, la opresión de la mujer, el anhelo de realización que choca con la moral tradicional… Doña Rosita la soltera es un drama urbano, también en prosa y verso  -aunque aquí el verso sirve para satirizar y parodiar-, que trata de las señoritas solteras de provincias condenadas a esperar inútilmente el amor en un medio burgués mediocre que ahoga sus deseos de felicidad; el drama de “la cursilería española, de la mojigatería española” como señala el propio Lorca. La casa de Bernarda Alba suele señalarse como la cumbre del teatro de Lorca. Es una obra en prosa. Los temas: la libertad frente a la autoridad, el deseo erótico y los instintos naturales enfrentados a las normas sociales y morales, la esterilidad y la fecundidad, la frustración vital, la condición sometida de la mujer; pero, sobre todo, una reflexión sobre el poder. Bernarda es una mujer que impone por la fuerza todo un código de conducta represivo a unas hijas que, con excepción de la menor, aceptan estas reglas que su madre ha recibido de la tradición heredada  y que ellas están dispuestas a perpetuar.

LA CASA DE Bernarda Alba:


Fue escrita en la primavera de 1936 pero no se estrenó hasta 1945 en Buenos Aires, donde se hizo la primera edición también. Argumento y temas: Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba impone a sus cinco hijas , como luto, una reclusión larga y rigurosa. En esa situación extrema, los conflictos y las pasiones se agrandarán hasta la exasperación. Como catalizador de ese encerramiento estará la figura de Pepe el Romano, novio de Angustias, la hija mayor y por tanto, heredera, pero atraído por la juventud y belleza de la menor, Adela, y amado, a su vez, por Martirio. Bernarda representará el autoritarismo y la represión, y las hijas encarnarán distintas actitudes que irán desde la sumisión pasiva a la rebeldía, estando ambas actitudes abocadas a la frustración y a la muert La acción transcurre en un espacio cerrado – la casa- , es el mundo del luto, de la ocultación, del silencio. Se la llama infierno, presidio, convento, simbolizando la ausencia de libertad, de la coerción, y en la que se respira la muerte. Frente a la casa, el mundo exterior, de donde llegan ecos de pasiones  elementales, de fuerte erotismo; al mismo tiempo el mundo exterior es el mundo de qué dirán, de unas convenciones sociales implacables que Bernarda extrem Personajes:-  Bernarda: su nombre significa “con fuerza de oso” y significa la encarnación hiperbólica de las fuerzas represivas: las convenciones sociales – la preocupación por el qué dirán,  por las apariencias…- , la obsesión por la virginidad, la decencia, la honra, frente a los impulsos eróticos… A los hombres se les consiente todo, no a las mujeres. Siente el orgullo de casta, de pertenecer a una clase superior. Representa el poder, la autoridad, como lo indica el bastón que siempre lleva y su lenguaje prescriptivo, presidido por el mandato “¡Silencio!”, y así se comporta con sus hijas y con las criadas. Su afán por mantener el orden establecido la lleva a un poder irracional, a negar lo evidente y a decir “aquí no pasa nada”* Las hijas: Están encerradas y desean desde su juventud, salir al exterior, sienten sus anhelos eróticos, de amor, los cuales se hallan supeditados al matrimonio.  Angustias (39 años) es la mayor y es hija del primer matrimonio de Bernarda, es la heredera de una gran fortuna que atrae a Pepe el Romano, su pretendiente. Está abocada al matrimonio pero no siente la pasión, que sí sentirán sus hermanas Adela y Martirio.Magdalena (30 años) es sumisa pero es consciente de lo que les toca vivir a las mujeres y por ello declara sus deseos de haber nacido hombre.Amelía (27 años) es sumisa, tímida y resignada. Martirio (24 años) es un personaje más complejo. Pudo haberse casado si su madre no se hubiera opuesto por cuestiones de clase social. Ello puede explicar su resentimiento. Pero ante los hombres se muestra contradictoria, y ese sentimiento encontrado la lleva a una irreprimible vileza.. Adela (20 años) encarna la rebeldía. Es la más joven, guapa, apasionada y franca. Su nombre significa “de naturaleza noble”. Es vital y rechaza el luto (en una ocasión se viste de verde). En su desafío se convierte en la querida de Pepe el Romano, y romperá el bastón de mando de su madre. Pero acabará trágicamente.

* Otros personajes: María Josefa, la abuela, es una mezcla de locura y verdad, al mismo tiempo que poesía. Es la portavoz de los anhelos de las demás. Interviene en los momentos más importantes de la obra, para agrandar líricamente los temas de la obra tan lorquianos: la frustración de las mujeres, el anhelo de matrimonio y de maternidad, el ansia de libertad.. La Poncia es la vieja criada de la familia, aconseja y se mete en el drama de las hijas, tutea a Bernarda pero ella la refrena. Asume su condición de sirvienta pero siente rencor. Es el contraste a Bernarda, habla abiertamente de temas sexuales, tiene gran conocimiento del mundo y su lenguaje popular es rico. La criada que está con ella participa del rencor que tiene a su ama, es sumisa e hipócrita.También están las vecinas, mujeres de luto que asisten al duelo, chismosas. Y por último, el único personaje masculino, Pepe el Romano, que será el hombre, el oscuro objeto del deseo, interesado en el dinero de Angustias, pero enamorado de Adela. -Estructura: es progresiva la acción, se va inflamando la tensión dramática.

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