Continuidad y Renovación Teatral en España

2. Continuidad del Teatro Iniciado en la Época Anterior: El Teatro Experimental

La renovación teatral en la década de los setenta supuso la superación definitiva del realismo y la experimentación de nuevas formas dramáticas, estrechamente ligada al teatro independiente. Este teatro se concibió como un espectáculo de tono vanguardista y experimental, recogiendo la herencia renovadora de dramaturgos europeos de la segunda mitad del siglo XX, como Bertolt Brecht, Antonin Artaud, y especialmente los autores del teatro del absurdo como Samuel Beckett y Eugène Ionesco.

El Teatro-Espectáculo

En el teatro-espectáculo, el texto literario pierde protagonismo en beneficio de la escenografía. Asimismo, se emplea un lenguaje alegórico y abstracto, a veces en tono ceremonial, similar al teatro primitivo.

Grupos de Teatro Independiente Destacados

Entre los teatros independientes que se consolidaron con una oferta comercial destacó el TEI (Teatro Experimental Independiente). Entre los numerosos grupos cabe señalar:

• En Cataluña:
  • El Joglars: Encabezado por Albert Boadella, creadores de un teatro del silencio que potencia la expresión corporal. Sus montajes se caracterizan por efectos sorprendentes.
  • Els Comediants: Liderados por Joan Font, con grandiosos espectáculos de animación que incorporan elementos escénicos como zancos, dragones y música.
  • Otros grupos: Dagoll Dagom y La Fura dels Baus, que montan sus espectáculos en grandes naves e incluyen la violencia y la provocación.
• En Madrid:
  • Los Goliardos: Surgido como grupo universitario.
  • Tábano: Imbuido de las teorías del teatro de la crueldad.

Todo este teatro innovador hereda técnicas vanguardistas, principalmente la performance (actuación que reúne poesía, música, danza con afán de provocar) y el happening (que requiere la participación improvisada del público).

Dramaturgos Vanguardistas

Junto a los grupos teatrales destacan dramaturgos vanguardistas. Muchos de ellos no consiguieron el apoyo del público ni de la crítica. Entre ellos se encuentran Francisco Nieva y Fernando Arrabal.

Francisco Nieva

Divide y define sus obras en dos grandes grupos, aunque en ambos se da el gusto por la complejidad, un elevado esteticismo lírico y una escenografía barroca:

Teatro Furioso

Se caracteriza por la concentración de la acción, el gusto por la interpretación coral; la crítica satírica a la España conservadora; la exaltación de la sensualidad y lo escatológico; la influencia del esperpento y el expresionismo. Sus obras más representativas son:

• La carroza de plomo candente (estrenada en 1976).
• Coronada y el toro (estrenada en 1982), en la que Coronada, hermana de un alcalde, denuncia en unas fiestas la tiranía en la que vive el pueblo.

Teatro de Farsa y Calamidad

La acción es más novelesca y el lenguaje menos retórico; da cabida a lo misterioso y romántico con una cierta influencia del romanticismo español. Su obra más representativa es Maldita sean Coronada y sus hijas (1998), una crítica compleja a la España de la posguerra y a la hipocresía.

Fernando Arrabal

Se exilia en Francia, aunque tras la muerte de Franco pasa largas temporadas en España. Él mismo llama Teatro Pánico a su teatro, que recoge elementos del teatro del absurdo, así como del teatro de la crueldad de Artaud. Su obra más representativa es Pic-Nic (1952), donde unos padres llevan la comida a su hijo soldado en la primera línea de fuego. Otras obras suyas son El triciclo y El cementerio de automóviles. En todas ellas se da un estilo personal que mezcla elementos esperpénticos, con el gusto por la provocación y una crítica a la España negra, al conservadurismo ideológico y una exaltación de la libertad.

Teatro Simbolista

Después de estas dos grandes figuras surge un grupo de dramaturgos que se agrupan bajo el rótulo de teatro simbolista, cuyas obras no siempre llegan a estrenarse en teatros comerciales y que se difunden a través de revistas especializadas en teatro (como La Avispa).

Entre estos dramaturgos destacamos:

• Romero Esteo: Evoluciona desde la representación de Pontifical hasta un teatro repleto de extrañas búsquedas fónicas en El vodevil de la pálida pálida pálida rosa.
• José Ruibal: Se vale del símbolo para exponer cuestiones políticas; así en La máquina de pedir, el pulpo se interpreta como símbolo de la tecnocracia y del capital.
• Luis Riaza: Desmitifica la sociedad, la literatura y el mismo teatro. En él se percibe la influencia del teatro griego (en los coros con función de comentador, aunque con intención grotesca) y el teatro de la crueldad (uso de ceremonias rituales). Escribió Retrato de dama con perrito (1976) y Medea es un buen chico (1981).

3. El Teatro de la Década de 1980 hasta la Actualidad

A partir de los años ochenta se afianza el teatro de autor y se abandonan las formas extremas del experimentalismo de la década de los 70-80, aunque subsiste y alcanza un gran prestigio el teatro espectáculo de La Fura del Baus y algunos otros grupos.

Características Teatrales del Periodo

Las características teatrales de este periodo se pueden resumir:

1. Importancia de la figura del director escénico. En ocasiones coinciden autor y director, en este caso, el texto contiene amplísimas acotaciones.
2. El texto teatral se entiende como un trabajo colectivo que se acrecienta en los ensayos.
3. Protagonismo de la expresión corporal, de la imagen y del sonido. Se amplían los espacios escénicos (zona de butacas, pasillos, etc.).
4. La temática es una reflexión y crítica de la sociedad contemporánea, por medio de símbolos, sátira y parodia. El mensaje se construye a base de cuadros teatrales efectistas de los que se desprende una reflexión o denuncia.
5. El espectador ya no es pasivo, se le exige la participación en el espectáculo.
6. Mezcla de medios expresivos, desde técnicas antiguas como el mimo, hasta la proyección cinematográfica sobre una pantalla.
7. Los personajes representan tipos o clases: son actitudes ante la vida, pero no se prima la psicología del personaje.
8. Internacionalización. Aumenta el interés y la investigación por las formas teatrales orientales (China y Japón), más rituales y simbólicas.

Tendencias del Teatro Actual

Las tendencias del teatro actual son:

Teatro que trata el tema de la Guerra Civil

• Fernando Fernán Gómez: Actor, director y escritor, estrena en 1982 Las bicicletas son para el verano, una de las primeras revisiones entre dolorosa y sentimental de la Guerra Civil. En 2004 estrenó Morir cuerdo y vivir loco.
• J. Sanchis Sinisterra: Con ¡Ay Carmela!. Es un drama sobre el teatro en la Guerra Civil, en el que dos artistas de variedades, Carmela y Paulino, carentes de conciencia política, se ven obligados a representar para celebrar la victoria del Ejército Nacional. A la representación asisten prisioneros que van a ser fusilados a la mañana siguiente. La obra acaba con el fusilamiento de la actriz.

Teatro-Farsa

Recoge elementos del esperpento y del sainete y suele plantear temas conflictivos, como el paro, las drogas o la violencia en clave trágico-grotesca. Representan esta tendencia obras como:

• La estanquera de Vallecas (1981) y Bajarse al moro (1985), de José L. Alonso de Santos. (Ver sección 4).
• Fermín Cabal: Formado en los grupos madrileños de teatro independiente, aparece en el panorama teatral con el depurado esperpento sobre el postfranquismo Tú estás loco, Briones. En 1995 con Castillos en el aire aborda el tema de la corrupción política.

Teatro Experimental

Con la frecuente revisión y reinterpretación de textos clásicos de cualquier género. Modalidad específica dentro de la experimentación es el teatro de calle, constituido por espectáculos itinerantes, desfiles, que rompen por completo la tradicional barrera entre el público y la escena. De esta forma, al mermar o desaparecer los elementos verbales y el desarrollo lineal de la acción, se potencian al máximo los elementos paraverbales, como el gesto, la mímica facial, la música y la simbología del vestuario.

Teatro de Autor

En los últimos años surgen abundantes escritores con vocación dramática. A través de una política muy activa de subvenciones se pretende fomentar el teatro. Esto hace que las producciones sean brillantes y modernas, pero supuso el fin de las compañías privadas.

Entre los autores más recientes destacamos:

• Sergi Belbel (1963): Discípulo de Sanchis Sinisterra que escribe en catalán y castellano. Sus temas bucean en la vida cotidiana de la ciudad, acentuando una visión ácida y corrosiva de las relaciones sociales. Entre sus títulos: En su memoria, Hombre y Después de la lluvia.
• Paloma Pedrero: Debuta como dramaturga con La llamada de Lauren, donde la celebración del aniversario de una pareja hace estallar los problemas de la misma, enmascarados por la rutina y la búsqueda de identidad personal del hombre que ha vivido oculto, jugando un papel que no es el suyo. Con Noches de amor efímero (8 piezas en un solo acto que comparten tres elementos esenciales: encuentro imprevisto de dos desconocidos, la noche y el flechazo de amor) afirma la autenticidad y la libertad personal. Pedrero recurre a la condensación de personajes, el espacio único, ubicado en lugares públicos: parques, discotecas o habitaciones de hotel.
• Juan Antonio Mayorga: Profesor en la Escuela Superior de Arte Dramático. Su dramaturgia profunda y comprometida cuenta con numerosos premios teatrales. En 2012 funda la compañía La Loca de la Casa, con la que pone en escena sus últimas obras: Reikiavik en 2015 y El cartógrafo en 2016. La crítica destaca entre su numerosa producción Cartas de amor a Stalin (2009), una meditación sobre la necesidad que tiene el artista de ser amado por el poder y la necesidad del poder de ser amado por el artista. En La paz perpetua, estrenada en el teatro María Guerrero en 2007, el autor hace una reflexión sobre el tema del terrorismo y de los dilemas que la lucha contra él nos plantea. A través de los ojos de unos perros muy especiales que han de superar pruebas para formar parte del K7, llega a la conclusión de que la confianza de Kant en la razón es ingenua, pues el asesinato indiscriminado es una violencia típicamente humana. La teatralidad de “los canes bípedos” es un acierto.

Por último, en estos primeros años del siglo XXI surge el fenómeno de los flashmobs, espectáculos callejeros breves, protagonizados por un gran número de personas a través de las redes sociales. Asimismo, aparece el microteatro, representaciones de muy corta duración en espacios reducidos como cafeterías, etc., donde el público elige la representación que prefiere, el horario e incluso el precio.

4. Estudio de Caso: José Luis Alonso de Santos

Biografía

Nace en Valladolid en 1942. Se trasladó a Madrid en 1959, donde se licencia en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense y en la Facultad de Ciencias de la Información. Desde 1960 comenzó a interesarse por el mundo del teatro, recibiendo clases de William Layton en el TEM. Fue uno de los fundadores del grupo Tábano y colaboró con el Teatro Experimental Independiente. Paralelamente, en 1971 fundó el grupo Teatro Libre, que lideró hasta su disolución diez años después. Su primer estreno como autor se produce en 1975 con ¡Viva el Duque, nuestro dueño!

Ha escrito cerca de cincuenta obras teatrales, estrenadas con éxito de crítica y público, algunas llevadas al cine como: Bajarse al moro, La estanquera de Vallecas y Salvajes, así como guiones de cine, series de televisión, narrativa infantil y novelas. Sus obras han sido editadas tanto en España como en el extranjero y se han publicado también ediciones críticas. Ha dirigido más de cuarenta obras teatrales de autores como Bertolt Brecht, Aristófanes, Synge, Calderón de la Barca, Pío Baroja, Valle Inclán, Plauto, Shakespeare, Carlos Arniches…, y varios de sus propios textos.

En el ámbito teórico ha escrito ensayos, como La escritura dramática (1998) y Manual de teoría y práctica teatral (2007), así como artículos de investigación teatral.

Ha sido director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Fue director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2000-2004) y, desde 2014, es presidente de la Academia de las Artes Escénicas de España.

Ha sido galardonado, entre otros, con los premios: Tirso de Molina (1984), Mayte (1985), Nacional de Teatro (1986), Rojas Zorrilla (1986), Medalla de Oro de Teatro de Valladolid (1993), Muestra de Autores Contemporáneos de Alicante (2005), Max (2005), Castilla y León de las Letras (2009) y Nacional de las Letras Teresa de Ávila (2010).

Alonso de Santos afirma que cuando una obra dramática tiene un buen texto y esta base se combina con un buen espectáculo de representación, nos encontramos con una obra de arte teatral que es la más compleja de las obras literarias, puesto que ofrece una perspectiva de realidad, cercanía y concreción de la vida.

Trayectoria Dramática

1ª Etapa: Asimilación de maestros anteriores (Valle, Benavente)

En 1975 estrena su primera obra ¡Viva el duque nuestro dueño! con claras resonancias del ruedo ibérico de Valle Inclán. Más tarde escribe El combate de D. Carnal y Doña Cuaresma con influencias del guiñol benaventino. Utiliza el recurso del teatro dentro del teatro. También aparece la intertextualidad desde la acotación inicial que alude al cuadro de Brueghel hasta las referencias a nuestros clásicos.

2ª Etapa: Obras que marcan un hito. Parodia del código sociocultural que opera en el ciudadano medio

La estanquera de Vallecas (1981)

La acción discurre en un barrio obrero de Madrid: Dos atracadores asaltan un estanco regentado por una anciana acompañada de su nieta, pero no constituyen peligro alguno para los secuestrados. Los atracadores, atrapados en un entorno opresor, encuentran la comprensión en los personajes femeninos. La policía aparece como enemiga de la sociedad obrera, reflejo de los años 80 donde España iniciaba su andadura hacia la libertad. La obra muestra un lenguaje coloquial en el que el autor es un maestro; el estilo de las acotaciones fluctúa entre el humor surrealista y el pincel valleinclanesco.

Bajarse al moro (1984)

Constituye una parodia de la estructura social a través de situaciones cómicas y trágicas. Elena, una joven que ha huido del hastío de su hogar, se refugia en casa de Chusa y el primo de esta, Jaimito, representantes de la marginalidad, y está dispuesta a acompañar a su anfitriona a Marruecos para comprar droga. Finalmente, Chusa irá sola y será encarcelada; mientras su novio, el policía Alberto, se enamora de Elena.

El espacio escénico es simple, una habitación destartalada en el centro de Madrid, plagada de elementos de la sociedad de consumo: cómics, retrato de Lennon, canciones de los Chunguitos… Este pacífico caos cambia al mismo tiempo que lo hacen los personajes. Éstos intercambian sus roles continuamente, relajando o acentuando la tensión dramática. El lenguaje de la obra es muy expresivo. Recoge la jerga callejera de los años 80. Así en sus parlamentos aparecen palabras como tutiplén, chachi, madero, mosquearse… además de tacos.

El álbum familiar (1981)

Con influencia de Wielopole Wielopole del dramaturgo polaco Kantor. Plasma la dicotomía muerte-vida en espacios fluctuantes con fronteras imprecisas.

3ª Etapa: Obras de mayor complejidad

• Fuera de quicio (1989): Refleja técnicas del cine: el espectador ve en escena en plano de igualdad tanto lo ilusorio como lo fenoménico. La acción se desenvuelve en un centro psiquiátrico (Ciempozuelos) cuyos protagonistas se debaten entre el clima oprimente y la liberación del impulso erótico. Si se puede sacar una moraleja de esta obra es la integración en el orden establecido: los mayores delitos, los trastornos alucinatorios, serán dados por buenos siempre y cuando se amolden al código social.
• Trampa para pájaros (1990): En esta obra el espectador se sitúa en el debate político entre la intolerancia que representa Mauro (expolicía franquista) y la libertad personificada en su hermano Abel. Refleja la dialéctica soñador-activo, influencia de Buero Vallejo.

4ª Etapa: Últimas obras

• Cuadros de amor y humor (2006): Treinta piezas breves constituidas por monólogos y diálogos que se cruzan, representados por cuatro actores. Reflejan pensamientos y estados de ánimos en el vivir cotidiano y en la aventura de relacionarse con los demás.
• En manos de mi enemigo (2015): Una barca de pesca sirve de refugio a un magrebí sin papeles. El dueño de la misma es un ruso afincado en España pero no adaptado a nuestro país. Uno cree que aquí encontrará el bienestar, el otro ha renunciado a sus sueños y vive al borde de la legalidad. Sus situaciones acaban no siendo tan distintas. Todo sucede en una noche mar adentro.
• Siguiendo la última tendencia de microteatro escribe en 2016 Microteatro, aun sin estrenar. Son breves obras teatrales que tratan de nuestras limitaciones: nuestro miedo a la hora de relacionarnos con los médicos, la incapacidad de los hombres para entender a las mujeres, la influencia de los videojuegos en nuestra vida… Todo ello con una buena dosis de humor, que adquiere valor terapéutico.