Pío Baroja nació en 1872 en San Sebastián y estudió Medicina, aunque rápidamente abandonó la práctica para dedicarse a escribir en Madrid. Participó en política, aunque sin éxito, y fue miembro de la Real Academia Española. Durante la Guerra Civil, fue arrestado por las tropas nacionalistas, se exilió en Francia y regresó a España tras la ocupación alemana. Baroja era un espíritu independiente, crítico, influido por Schopenhauer y Nietzsche, y en sus obras aparece una fuerte crítica a la situación de España.
Para Baroja, la novela es un género flexible donde caben reflexiones filosóficas, confesiones políticas, humor y crítica social. Sus obras están marcadas por espontaneidad y observación, y suelen girar en torno a un protagonista que encarna sus propias preocupaciones existenciales. Baroja emplea una narrativa directa, un estilo claro, y sus personajes reflejan sus visiones misóginas, anticlericales y anarquistas. Las mujeres en sus obras son figuras secundarias sin profundidad espiritual, y la narrativa es sencilla, centrada en diálogos y descripciones precisas. Baroja tiene tres etapas en su producción: una inicial vitalista, una de rechazo social y refugio en la Historia, y una final más comedida en sus críticas. Entre sus obras destacan «Aventuras, inventos y mixtificaciones de Silvestre Paradox», «Camino de perfección», y la trilogía «Memorias de un hombre de acción». Sus trilogías también abordan diversos aspectos de la sociedad y los conflictos de España, como en «La lucha por la vida», «Tierra vasca» y «La raza».
El árbol de la ciencia de Pío Baroja se considera una novela de formación, pues relata el desarrollo y desengaños del protagonista, Andrés Hurtado. Sin embargo, su enfoque existencial también la convierte en una novela filosófica. Andrés, escéptico en lo religioso y decepcionado con la ciencia, encuentra que el conocimiento agudiza su dolor vital, una idea influenciada por filósofos como Schopenhauer y Darwin. En el ámbito social y político, sus experiencias solo aumentan su pesimismo y aislamiento, hasta llegar a la abulia del 98. Su búsqueda de paz culmina en su matrimonio con Lulú, pero la muerte de su hijo y esposa lo llevan al suicidio.
Baroja caracteriza a los personajes principales, como Andrés y Lulú, de forma gradual, mostrando su evolución. Los secundarios son descritos satíricamente, con adjetivos que provocan rechazo. El paisaje se describe con técnica impresionista, resaltando el entorno sin detalles extensos y mostrando un retrato crítico de la España de la época: la miseria rural y la desigualdad urbana en Madrid.
La estructura sigue dos ciclos de la vida del protagonista, separados por una reflexión en la Parte IV (Inquisiciones). Su estilo destaca por párrafos breves, naturalidad y precisión en los registros lingüísticos, representando fielmente la Generación del 98.
Carmen Laforet (1921-2004) fue una autora española cuyo éxito literario temprano y obra influyente la consolidaron como una figura clave en la narrativa de posguerra en España. Nacida en Barcelona, pasó parte de su infancia en Canarias antes de regresar a Cataluña y luego mudarse a Madrid. Aunque comenzó estudios en Filosofía y Letras, nunca los completó, dedicándose plenamente a la escritura. Laforet fue una persona reservada sobre su vida privada, pero en su obra se reflejan aspectos de sus experiencias personales, especialmente en sus primeros años.
Su novela Nada, publicada en 1945 cuando apenas tenía 23 años, le otorgó el primer Premio Nadal, sorprendiendo a la crítica y a los lectores de la época tanto por su calidad literaria como por la frescura de su perspectiva. Nada narra la historia de Andrea, una joven huérfana de 18 años que llega a Barcelona para estudiar en la universidad, esperando una vida de oportunidades en la gran ciudad. Sin embargo, la realidad que encuentra en casa de su familia materna resulta opresiva: un hogar en decadencia habitado por personajes que encarnan la miseria moral y material de la posguerra. Andrea se enfrenta a una vida marcada por la desilusión, atrapada en un ambiente donde su tía Angustias, su tío Román (bohemio y manipulador), su tío Juan (pintor frustrado y violento), y Gloria (la esposa de Juan), junto a la abuela y la criada Antonia, representan conflictos sin salida y tensiones latentes.
A medida que Andrea explora la ciudad y asiste a la universidad, encuentra alivio en su amistad con Ena, una joven de buena familia, pero la relación entre Ena y Román genera nuevos conflictos. Román se ve envuelto en una serie de problemas familiares y emocionales que culminan en su suicidio, evento que marca el deterioro definitivo de las relaciones familiares. Al final de la novela, Andrea, sin esperanza de mejorar su vida en Barcelona, acepta una oferta laboral del padre de Ena y se traslada a Madrid, con la sensación de llevarse de la experiencia solo una carga emocional. Sin embargo, este año en Barcelona ha significado para ella una entrada forzada a la madurez.
Además de Nada, Laforet escribió otras novelas como La isla y los demonios (1952), que también explora la juventud y las inquietudes existenciales; La mujer nueva (1955), una obra de transformación espiritual que ganó el Premio Nacional de Literatura; y La insolación (1963), primera de una trilogía inacabada. Aunque publicó menos de lo esperado, escribió cuentos, artículos y relatos de viajes. Su correspondencia con Ramón J. Sender, publicada como Puedo contar contigo (2003), muestra su lado más íntimo y reflexivo, abordando su lucha como mujer escritora y sus dudas sobre la propia obra.
Laforet es reconocida por su estilo directo y descarnado, enmarcado en el “tremendismo” de la posguerra española, que retrata con crudeza las realidades sociales y morales de la época. Este estilo, que compartió con autores como Camilo José Cela, transmite el desencanto y las dificultades de la vida española sin recurrir a discursos políticos, abordando temas como la violencia familiar, las desigualdades sociales y la represión. En Nada, utiliza la primera persona para añadir un toque íntimo, con descripciones detalladas que enfatizan la decadencia y el desgaste emocional de los personajes y de la ciudad de Barcelona. Esta técnica de narración introspectiva y realista contribuye a que Nada sea considerada una de las novelas más influyentes y memorables de la literatura española del siglo XX.
Con su voz única, Laforet dejó una huella indeleble en el panorama literario, capturando la dureza de la posguerra a través de personajes que luchan por encontrar sentido en un mundo sombrío y adverso. Aunque se retiró gradualmente del ámbito literario en sus últimos años, su obra sigue siendo estudiada y valorada como testimonio de una generación marcada por la desilusión y el anhelo de redención.
Almudena Grandes (Madrid, 1960-2021) fue una destacada novelista española, cuya obra explora temas de la sociedad española, la memoria histórica y la posguerra. Estudió Geografía e Historia y comenzó su carrera profesional trabajando en editoriales, hasta que su primera novela, Las edades de Lulú (1989), la lanzó a la fama con el Premio La Sonrisa Vertical. Desde entonces, compaginó su labor de escritora con una columna en el diario El País. Su obra, traducida a más de veinte idiomas, incluye novelas emblemáticas y ha sido adaptada al cine en varias ocasiones.
Dentro de sus obras encontramos las siguientes más relevantes: Las edades de Lulú (1989): La novela cuenta la historia de Lulú, una joven que, a los quince años, tiene una experiencia amorosa con un amigo de su hermano, lo que marca su vida y la lleva a un camino de exploración erótica y emociones intensas hasta que decide distanciarse de esa relación para buscar nuevas experiencias; Malena es un nombre de tango (1994): Relata la vida de Malena, una mujer de familia adinerada que enfrenta sus complejas relaciones familiares y la búsqueda de su identidad, especialmente en contraste con su hermana melliza Reina. A través de una narración en primera persona, Malena reconstruye su historia y sus vínculos afectivos en un Madrid en plena «movida» de los años 80; Los aires difíciles (2002): La historia se centra en Juan Olmedo y Sara Gómez, dos personas que se mudan a una urbanización en la costa gaditana para rehacer sus vidas. Ambos llevan a cuestas un pasado marcado por tragedias y buscan un nuevo comienzo en un entorno que les da una segunda oportunidad; El corazón helado (2007): En esta novela, Grandes explora la memoria histórica y los efectos de la Guerra Civil a través de la historia de Álvaro Carrión, quien tras la muerte de su padre descubre secretos familiares vinculados al franquismo y la Guerra Civil. La obra conecta el pasado y el presente de España a través de las vidas de Álvaro y Raquel, hija de exiliados; Inés y la alegría (2010): Primera entrega de la serie «Episodios de una guerra interminable», en la que Grandes reimagina el intento de un grupo de exiliados republicanos por invadir España en 1944. La historia sigue a Inés, una mujer republicana que, tras años de opresión en la posguerra, encuentra el valor de unirse a la causa; El lector de Julio Verne (2012): En un pueblo de Jaén, Nino, un niño de nueve años, vive en la casa cuartel de la Guardia Civil y se ve fascinado por un misterioso hombre, Pepe el Portugués. Este contacto y las novelas de aventuras de Julio Verne lo llevan a comprender el conflicto de su entorno, marcando su propia visión sobre los «enemigos» de su padre y la realidad de la posguerra; Las tres bodas de Manolita (2014): Ambientada en el Madrid de la posguerra, narra la vida de Manolita, una joven que asume la responsabilidad de su familia en una época de pobreza y represión. La historia se convierte en un homenaje a la solidaridad y el coraje de las personas que sobrevivieron a los años de posguerra; Los pacientes del doctor García (2017): Esta novela de espías sigue a Guillermo García Medina y Manuel Arroyo Benítez, quienes intentan infiltrarse en una red de evasión de criminales nazis y franquistas en España. Es una historia de acción que conecta el franquismo y la Segunda Guerra Mundial, explorando el impacto de estos acontecimientos en España y Argentina.
Gabriel García Márquez es uno de los escritores más influyentes de la literatura hispanoamericana y mundial. Nació en Aracataca, Colombia, en 1927, y su infancia estuvo marcada por las historias y supersticiones de sus abuelos, que influirían en su visión mágica y mística de la realidad. Conocido principalmente por su papel en el auge del «Boom» latinoamericano y por ser el máximo exponente del realismo mágico, García Márquez integró elementos fantásticos en la narrativa de la vida cotidiana. Su carrera literaria comenzó a desarrollarse en los años cincuenta cuando trabajaba como periodista, profesión que ejerció junto a la escritura de sus primeros cuentos y novelas.
Cien años de soledad (1967) es la obra más emblemática de García Márquez y una de las cumbres de la literatura en español. La novela relata la historia de la familia Buendía en el pueblo ficticio de Macondo, reflejo de la cultura latinoamericana, a lo largo de varias generaciones. En un entorno que fusiona lo real y lo mágico, los Buendía enfrentan sucesos misteriosos y trágicos que ilustran ciclos de auge y decadencia, culminando en la extinción de la estirpe. La estructura no lineal y la riqueza de personajes consolidaron a García Márquez como un gran narrador de alcance global.
El otoño del patriarca (1975) aborda el poder y la soledad de un dictador caribeño que retiene el control durante más de un siglo. La novela, escrita en primera persona y con una narración continua que crea una atmósfera opresiva, expone los efectos de una tiranía sostenida por la violencia y las traiciones. A través de este personaje aislado, García Márquez critica las dictaduras latinoamericanas y muestra el lado oscuro del poder.
Crónica de una muerte anunciada, publicada en 1981, es otra de sus novelas fundamentales y una de las más estudiadas de su obra. Esta novela, basada en un asesinato por honor que ocurrió en la juventud de García Márquez, narra la muerte de Santiago Nasar, un joven de veintiún años que, tras celebrar la boda de Bayardo San Román y Ángela Vicario, es asesinado por los hermanos de la novia. Desde la primera frase, “El día en que lo iban a matar, Santiago Nasar…”, el lector conoce el destino trágico del protagonista, lo que crea un suspenso inverso: la tensión radica en cómo y por qué nadie interviene para evitarlo.
La historia sigue el relato de los hechos desde diferentes perspectivas, y muestra cómo la comunidad, aunque sabe del plan de asesinato, no hace nada para impedirlo. Ángela Vicario, obligada por su familia a confesar el nombre de quien la “deshonró”, acusa a Santiago Nasar, tal vez sin prever que sus hermanos, Pedro y Pablo Vicario, cumplirán con los códigos de honor al matarlo. Sin embargo, los gemelos actúan de forma ambivalente: por un lado, sienten la obligación de vengar a su hermana; por otro, no desean verdaderamente matar a Santiago y parecen buscar que alguien detenga el asesinato. A lo largo de la narración, los personajes de la comunidad evitan intervenir de manera decisiva, y los hermanos Vicario cometen el crimen sin encontrar obstáculos serios.
La estructura de la novela es casi cronológica, y el narrador reconstruye los eventos con gran precisión, resaltando las circunstancias y coincidencias fatales que llevan a la muerte de Santiago. Aunque alejada del estilo del realismo mágico que caracteriza otras de sus obras, Crónica de una muerte anunciada es una obra maestra en cuanto a construcción y ritmo narrativo. La riqueza de sus personajes y la forma en que retrata la psicología de la comunidad resalta el conflicto entre la responsabilidad individual y los mandatos sociales.
Antonio Machado (1875-1939) nació en Sevilla y creció en Madrid, donde asistió a la Institución Libre de Enseñanza, que influyó en su pensamiento crítico y educativo. En París, en 1902, conoció a Rubén Darío y el simbolismo francés, que marcaron el inicio de su estilo modernista. Como profesor de francés, trabajó en diversas ciudades, destacando Soria, donde conoció a su esposa, Leonor Izquierdo. Su muerte en 1912 lo sumió en una profunda tristeza, reflejada en su poesía. Vivió en Baeza, Segovia y Madrid, donde fue muy activo literariamente. Durante la Guerra Civil Española, apoyó a la República y se exilió en Francia, donde falleció en Collioure en 1939.
Primera etapa: Modernismo (hasta 1907)
Machado inicia su carrera influida por el simbolismo y el modernismo intimista. Su primer libro, Soledades (1903), fue revisado y ampliado como Soledades, galerías y otros poemas (1907). En esta etapa, se centra en temas universales como el tiempo, la muerte y la condición humana, tratados de forma introspectiva. Sus poemas evocan paisajes y recuerdos nostálgicos de su infancia, con símbolos recurrentes como el agua (vida, fugacidad, muerte), las tardes y las galerías.
Su estilo tiene una mezcla de sobriedad y modernismo, aunque muestra un interés creciente por formas más sencillas, como la silva. Este modernismo es más reflexivo e introspectivo, relacionado con autores como Bécquer y Rosalía de Castro.
Segunda etapa: Castilla y el Grupo del 98 (1907-1919)
Durante su estancia en Soria y Baeza, Machado publicó Campos de Castilla (1912), su obra más representativa de esta etapa. Aquí abandona parcialmente el simbolismo para adoptar un estilo más directo y comprometido. Los temas principales son la decadencia de España, el paisaje castellano y la muerte de Leonor.
En 1917, Machado publica una edición ampliada de Campos de Castilla en sus Poesías completas, incorporando nuevos poemas escritos tras la muerte de Leonor.
Tercera etapa: Filosofía, folklore y compromiso (1919-1939)
Machado se enfocó en su actividad literaria y en la colaboración teatral con su hermano Manuel. En poesía, esta etapa es más heterogénea, pero incluye obras significativas:
Nuevas canciones (1924): Este libro combina poemas filosóficos, evocaciones del campo andaluz y elementos mitológicos. Mostrando su evolución hacia una poesía más reflexiva.
Últimos años: En sus últimos años, Machado escribió las Canciones a Guiomar, inspiradas en un amor tardío, y las Poesías de guerra, que reflejan su papel como poeta cívico en la Guerra Civil. Destaca El crimen fue en Granada, una elegía desgarradora a Federico García Lorca.
Prosa: En Juan de Mairena, recopiló reflexiones filosóficas, estéticas y políticas, consolidando su perfil como intelectual comprometido.
La Generación del 27 fue un grupo de poetas españoles surgido en los años 20, influenciado por los clásicos como Góngora y las vanguardias. Se caracterizó por equilibrar tradición y modernidad, combinando lo culto y lo popular. Sus etapas abarcan desde una poesía pura y estética, pasando por una rehumanización durante el Surrealismo, hasta un humanismo existencial tras la Guerra Civil, marcado por el exilio y la nostalgia. Entre sus autores destacan Lorca, Alberti, Aleixandre y Salinas.
Biografía
Pedro Salinas, nacido en Madrid en 1891, fue un destacado poeta de la Generación del 27, conocido por su dedicación a la docencia y su poesía intelectual. Doctor en Letras, trabajó en universidades como La Sorbona y Cambridge antes de regresar a España, donde fue profesor y secretario general de la Universidad de Verano de Santander. Con el inicio de la Guerra Civil, se exilió a América, continuando su labor académica en diversas universidades. Murió en Boston en 1951.
Características de su poesía
Salinas consideraba la poesía como una exploración profunda de la relación entre la realidad externa e interna, buscando lo que denominaba la «transrealidad»: una verdad más allá de lo visible. Su obra está marcada por la búsqueda de autenticidad, la exaltación de los valores humanos y la expresión íntima, lograda mediante una lengua poética aparentemente sencilla, pero trabajada con rigor.
Se le identifica como un poeta intelectual, influido por la poesía clásica española, el modernismo francés, y su vivencia mediterránea y andaluza.
Etapas de su trayectoria poética
Primera etapa:
Obras principales: Presagios (1923), Seguro azar (1929), Fábula y signo (1931).
Influencias: autores como Bécquer, Machado y Juan Ramón Jiménez, además de las vanguardias.
Temas: amor, la realidad tras lo visible, el tiempo y lo fugaz. Utiliza elementos cotidianos como símbolos de reflexión existencial.
Segunda etapa:
Obras principales: La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936), Largo lamento.
Definida por su poesía amorosa, aborda el amor como fuerza enriquecedora y plena. Influencias clásicas (Garcilaso, San Juan de la Cruz) y románticas (Shelley).
Rasgos estilísticos: uso de pronombres («tú» y «yo») para reforzar la intimidad y la comunicación directa.
Tercera etapa:
Obras principales: El contemplado (1946), Todo más claro (1949), Confianza (1955).
Temas: el exilio, el mar como símbolo de vida y eternidad, y una visión crítica hacia la deshumanización de la sociedad moderna.
Evoluciona hacia una poesía más desnuda y reflexiva, marcada por la nostalgia de España y los efectos de las guerras.
La poesía de los años 50 en España experimentó una evolución significativa. A partir de esa década, muchos poetas que habían cultivado la poesía desarraigada comenzaron a orientarse hacia una poesía social. Esta nueva corriente centró su atención en los problemas sociales y políticos, dejando a un lado la angustia existencial que había predominado previamente. La poesía social de esta época buscaba transformar la realidad y se caracterizaba por un lenguaje claro, directo y prosaico, diseñado para llegar al mayor número de personas. Los temas principales incluían la injusticia, la alienación y el anhelo de un mundo mejor. Entre los representantes más destacados se encuentran Gabriel Celaya, con obras como Cantos iberos, además de otros autores como Victoriano Crémer, Eugenio de Nora y Ángela Figuera.
Biografía
En este contexto surge la figura de Blas de Otero, uno de los principales exponentes de la poesía social en España. Nacido en Bilbao en 1916, recibió una formación religiosa que influyó en su obra, aunque adoptó una postura crítica frente a esa tradición. Estudió Derecho, pero no ejerció, dedicándose a la poesía y la enseñanza. Su trayectoria literaria se puede dividir en tres etapas principales.
Etapas
En su primera etapa, Blas de Otero se inserta en la poesía desarraigada, marcada por la angustia existencial y la búsqueda de sentido en un mundo que no ofrece respuestas. Sus obras más representativas de este periodo son Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951), recopiladas más tarde bajo el título Ancia (1958). En estos textos, explora temas religiosos, amorosos y sociales, destacándose por su lenguaje dramático y apasionado, con un estilo influido por la métrica clásica y una marcada intensidad emocional.
En su segunda etapa, el autor da un giro hacia la poesía social, abandonando las preocupaciones existenciales para enfocarse en la justicia, la libertad y la solidaridad con los más desfavorecidos. Obras como Pido la paz y la palabra (1955), En castellano (1959) y Que trata de España (1964) reflejan esta transformación. En ellas, el poeta aborda su amor y dolor por España, además de expresar su optimismo por un futuro mejor. Su lenguaje se torna más sencillo, directo y coloquial, aunque los poemas conservan una rigurosa elaboración.
Finalmente, en su tercera etapa, durante los años 60, Blas de Otero experimenta un desencanto con la poesía social y busca nuevas formas de expresión. Publica obras como Historias fingidas y verdaderas (1971) y Mientras (1970), donde explora una mayor libertad métrica y un lenguaje cargado de musicalidad e imágenes audaces, conectando con técnicas cercanas al surrealismo. En esta fase, sus textos adquieren un cariz más subjetivo e introspectivo, sin abandonar por completo los temas sociales y políticos.
Jaime Gil de Biedma es uno de los poetas más destacados de la generación del 60 en España, un grupo literario que marcó el paso de la poesía social, agotada en sus fórmulas, a una renovación poética caracterizada por el intimismo, la introspección y el compromiso crítico. Este cambio no implicó un abandono total de las preocupaciones sociales, sino un enfoque más personal y creativo, alejándose de los dogmas y abrazando la diversidad de expresiones literarias.
Biografía
Gil de Biedma nació en Barcelona en 1929 en una familia acomodada y vivió una vida de contrastes, alternando entre su posición privilegiada como alto ejecutivo en una compañía de tabacos y su fascinación por los barrios humildes de la ciudad. Su interés por la literatura se consolidó durante sus estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona, donde comenzó a relacionarse con otros intelectuales que formarían parte de la llamada Escuela de Barcelona. Admirador de autores como T.S. Eliot, W.H. Auden y Antonio Machado, Gil de Biedma desarrolló un estilo poético que combina la ironía, el coloquialismo y la reflexión íntima.
Características
Su obra poética, recogida en el volumen Las personas del verbo (1975), incluye tres libros fundamentales: Compañeros de viaje (1959), Moralidades (1966) y Poemas póstumos (1968).
En Compañeros de viaje, su primer libro, el autor refleja su compromiso político y su interés por la amistad y la conversación como pilares de las relaciones humanas. Mediante una poesía coloquial y accesible, aborda recuerdos de infancia, experiencias cotidianas y críticas a la dictadura franquista. Este compromiso político se intensifica en obras como La historia para todos, donde explora la represión y la esperanza en una España sumida en el miedo.
En Moralidades, Gil de Biedma amplía su horizonte temático al incluir reflexiones sobre el amor y el sexo, explorando su propia identidad y su doble vida como homosexual en una sociedad conservadora. Su poesía adopta un tono conversacional e íntimo, recreando espacios propicios para la confesión, mientras critica la hipocresía y la opresión social. El poeta no renuncia a los privilegios de su clase social, pero los observa con cinismo, exponiendo la tensión entre su herencia burguesa y su rechazo hacia ella.
Finalmente, en Poemas póstumos, Gil de Biedma da voz a una crisis de madurez marcada por la decepción ante la falta de cambios políticos en España y el paso del tiempo. Este libro, más sombrío y melancólico, aborda la muerte, la pérdida de juventud y el ensimismamiento personal. Poemas como Contra Jaime Gil de Biedma destacan por su tono autocrítico e introspectivo, cuestionando el legado del poeta y su relevancia.
La obra de Jaime Gil de Biedma se caracteriza por un marcado egocentrismo poético, en el que el «yo» del autor se convierte en el centro de la narrativa y establece un diálogo directo con el lector. Su poesía, profundamente influida por sus vivencias y contradicciones, es un testimonio único de su tiempo y un reflejo de la evolución social y cultural de la España de posguerra. A través de su trabajo, Gil de Biedma logró capturar la complejidad de la condición humana, consolidándose como una de las figuras más influyentes de la literatura española contemporánea.
Ramón María del Valle-Inclán, miembro destacado de la Generación del 98, es uno de los grandes renovadores del teatro de preguerra, aunque en su época no gozó de popularidad como García Lorca. Su teatro, concebido más para ser leído que representado, ha sido valorado con el tiempo por su profundidad dramática y poética. Nació en 1866 en Villanueva de Arousa (Pontevedra) en el seno de una familia noble empobrecida. Abandonó los estudios de Derecho para trasladarse a Madrid en 1890, donde inició una vida bohemia marcada por dificultades económicas. En 1892 viajó a México, donde colaboró con varios periódicos, y tras una breve estancia en Cuba, regresó a España en 1893. Durante varios años residió en Galicia, pero en 1896 volvió a instalarse en Madrid. El éxito literario le llegó en 1902 con la publicación de las «Sonatas», que le proporcionaron notoriedad y reconocimiento público. En 1907 contrajo matrimonio con la actriz Josefina Blanco, con quien tuvo seis hijos. Durante la Primera Guerra Mundial trabajó como corresponsal en el frente francés y, en 1932, se divorció. Posteriormente, pasó un breve período en Roma como director de la Academia de Bellas Artes. Falleció en Santiago de Compostela en 1936.
Valle-Inclán, de apariencia extravagante y carácter irónico, fue un personaje singular que frecuentaba las tertulias madrileñas, donde exponía sus ideas con un sarcasmo mordaz. Crítico con el sistema político de la Restauración, en sus inicios defendió el ideario carlista, que combinaba la idealización del pasado con una estética modernista. No obstante, tras la Gran Guerra, adoptó una postura más crítica y social, reflejada en su obra. Se manifestó abiertamente en contra de la dictadura de Primo de Rivera y acogió con entusiasmo la proclamación de la Segunda República.
Su producción dramática es una de las más originales y complejas del teatro español del siglo XX y constituye un referente en la renovación teatral europea. Dentro del ciclo mítico ambientado en Galicia, destacan las «Comedias bárbaras», trilogía compuesta por «Águila de blasón» (1907), «Romance de lobos» (1907) y «Cara de plata» (1923). Estas piezas retratan un mundo primitivo y violento, dominado por las pasiones más básicas, y reflejan el declive de una sociedad feudal en descomposición. El protagonista de la trilogía, don Juan Manuel de Montenegro, encarna los valores de una casta decadente, marcada por la soberbia, la lujuria y el sacrilegio.
En el ciclo de las farsas, Valle-Inclán mezcla lo grotesco con lo sentimental en un ambiente dieciochesco imaginado por los modernistas. Destacan «La marquesa Rosalinda» (1912) y «Farsa y licencia de la reina castiza» (1920), donde el autor desmitifica los valores tradicionales de la sociedad española, como la monarquía, la nobleza o el ejército, mediante una visión irónica y cruel. Estas obras, escritas en verso (excepto una), combinan el humor con una crítica feroz a las instituciones y costumbres de su tiempo.
El esperpento es la creación más original y representativa de Valle-Inclán. Esta fórmula dramática se basa en la deformación de la realidad para revelar su carácter absurdo y grotesco. En el esperpento, la realidad no se representa de forma objetiva, sino que se distorsiona para mostrar su esencia más amarga. Los personajes pierden su individualidad y se convierten en arquetipos simbólicos, identificados con nombres genéricos como «mujer», «mendigo» o «prostituta». El lenguaje empleado es muy variado, mezclando registros cultos, coloquiales, vulgares y expresiones castizas madrileñas.
«Luces de bohemia» (1920) es el primer y más logrado esperpento. Narra las últimas horas del poeta ciego Max Estrella, quien, a pesar de vivir en la miseria, conserva la dignidad trágica de un héroe clásico. La obra refleja la corrupción y la degradación de la sociedad española de la época, mostrando un mundo sórdido y opresivo. Los personajes que rodean a Max son figuras grotescas y mezquinas, y su muerte, aunque paródica en apariencia, le confiere una grandeza moral. A través de esta obra, Valle-Inclán realiza una crítica implacable a la situación política y social de su tiempo, denunciando la pérdida de valores y la imposibilidad del héroe moderno de enfrentarse a un mundo absurdo y degradado.
Federico García Lorca nació en 1898 en Fuente Vaqueros, un pequeño pueblo de Granada, y murió asesinado en 1936 al inicio de la Guerra Civil Española. Fue una de las figuras más importantes de la Generación del 27 y un referente de la literatura española del siglo XX. Durante su vida, residió en Madrid, donde se relacionó con otros intelectuales de la época, y realizó un viaje a Nueva York que influyó profundamente en su obra. Además, dirigió el grupo teatral universitario La Barraca, con el que llevó el teatro clásico a zonas rurales.
En su producción teatral, García Lorca combina el realismo con un profundo simbolismo, creando un teatro poético en el que se reflejan las tensiones entre el individuo y las normas sociales. Sus obras se pueden clasificar en tres grupos principales: farsas (con un tono ligero y crítico), teatro de ensayo (donde explora conflictos más abstractos) y los dramas rurales, que abordan la represión y la tragedia en ambientes cerrados y tradicionales. Dentro de este último grupo destacan Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba, consideradas sus obras maestras.
La casa de Bernarda Alba fue escrita en 1936, poco antes de su asesinato, y se basa en hechos reales que ocurrieron en un entorno rural andaluz. La obra no fue estrenada en España hasta 1964, debido a la censura del régimen franquista, aunque su primer estreno tuvo lugar en Buenos Aires en 1945. La obra refleja la lucha entre la autoridad y el deseo de libertad, siendo el enfrentamiento entre Bernarda, quien representa la opresión y el control, y Adela, símbolo de la rebeldía y el deseo de independencia, el núcleo del conflicto. Además, aborda otros temas como la represión de la mujer, el poder de las apariencias y las diferencias de clase social.
El espacio tiene un valor simbólico fundamental en la obra. La casa representa un lugar de encierro y opresión, mientras que el exterior es visto como el espacio de libertad y deseo inalcanzable. Este contraste refuerza la tensión entre las normas impuestas y los deseos personales. Los personajes principales reflejan distintas posturas ante esta represión: Bernarda encarna la autoridad inquebrantable; Adela simboliza el deseo de libertad y la transgresión; Angustias, como la hija mayor, acepta un matrimonio sin amor por conveniencia; Martirio manifiesta envidia y resentimiento; y La Poncia, la criada, actúa como observadora crítica que, aunque depende de Bernarda, expresa sus opiniones de forma ambivalente.
La obra está estructurada en tres actos sin subdivisiones, siguiendo una progresión de tensión dramática que culmina en el desenlace trágico. Cada acto refleja un momento de creciente opresión y conflicto, hasta llegar a la muerte de Adela, que simboliza la imposibilidad de escapar del control social. El lenguaje utilizado por Lorca combina un realismo directo con una fuerte carga poética y simbólica. Los símbolos tienen un papel esencial: el bastón de Bernarda representa su autoridad, el agua simboliza el deseo vital (especialmente cuando está en movimiento) y el caballo encabritado alude a la fuerza de los instintos reprimidos.
En definitiva, La casa de Bernarda Alba es una obra que, a través de su realismo poético, profundiza en la crítica a la represión social, especialmente en lo que respecta a la mujer, y plantea un conflicto universal entre la libertad individual y las normas impuestas por la sociedad.
Miguel Mihura (1905-1979) estuvo relacionado con el mundo del teatro desde su infancia debido a la profesión de su padre. A lo largo de su carrera, combinó su labor como dramaturgo con la de guionista de cine y periodista. En 1941 fundó La Codorniz, una revista de humor que dirigió hasta 1946 y que se convirtió en un referente del humor inteligente y satírico en España. Su teatro se vincula con el teatro del absurdo debido a la parodia que realiza de los tópicos y las convenciones sociales, aunque presenta un estilo propio en el que combina la comicidad con un trasfondo de melancolía y desencanto.
Su obra más representativa es Tres sombreros de copa, escrita en 1932 pero estrenada veinte años después, en 1952. Este retraso se debió a que la obra rompía con los moldes del teatro convencional de la época, lo que dificultó su aceptación inicial. En ella, Mihura utiliza el humor para ocultar su visión pesimista de la existencia, como él mismo afirmó al decir que con el humor intentaba «ocultar mi pesimismo, mi melancolía, bajo mi desencanto por todo, bajo un disfraz burlesco». La obra refleja la tensión entre el individuo y la sociedad, denunciando las normas sociales que limitan la libertad y la felicidad personal.
La trama de Tres sombreros de copa gira en torno a Dionisio, un joven que pasa la noche anterior a su boda en un hotel de provincias. Allí conoce a Paula, una bailarina de revista que le muestra una forma de vida libre y desenfadada, muy distinta a la rígida existencia burguesa que le espera con su prometida, Margarita. A lo largo de la noche, Dionisio se debate entre la seguridad de su vida convencional y la atracción por el mundo bohemio que representa Paula. Finalmente, renuncia a la posibilidad de cambio y vuelve a su destino preestablecido, lo que simboliza la derrota del individuo frente a las normas sociales. A pesar del tono cómico, la obra refleja un profundo desencanto y una crítica al conformismo y las apariencias.
Los personajes de la obra se presentan de tres formas: mediante antonomasias (como «el guapo muchacho» o «el anciano militar»), mediante nombres propios (como Margarita, don Rosario o Paula) y con una doble designación en algunos casos.
La obra sigue las unidades clásicas de tiempo, lugar y acción. La acción se desarrolla en una única noche y el espacio principal es la habitación del hotel, aunque se alude a otros lugares cercanos, como el pasillo, la habitación contigua o la casa de Margarita. Esta concentración espacial y temporal intensifica el conflicto interno del protagonista y refuerza la sensación de encierro y falta de alternativas.
En cuanto al estilo, Mihura utiliza diálogos ágiles y rápidos que aportan un ritmo dinámico a la obra. Además, incluye dos monólogos de Dionisio y un aparte del mismo personaje, lo que permite al público conocer sus pensamientos más íntimos. El lenguaje es coloquial y se caracteriza por el uso de interjecciones, frases cortas, escasa subordinación, insultos suaves y expresiones enfáticas.
El humor es el principal recurso de Tres sombreros de copa y se construye a partir de situaciones absurdas, juegos de palabras, exageraciones, razonamientos ilógicos y rupturas de la norma lingüística. Por ejemplo, Dionisio expresa su confusión y temor al matrimonio con frases como: «Sí, me caso, pero poco…». Este tipo de humor, aunque aparentemente ligero, encubre una crítica más profunda a las normas sociales y a la hipocresía de la sociedad burguesa.
Tras Tres sombreros de copa, Mihura modera su estilo y crea obras más ajustadas a las tendencias de la época, como Maribel y la extraña familia (1959) y Ninette y un señor de Murcia (1965), en las que se aprecia un humor más convencional y menos experimental.
Antonio Buero Vallejo (1916-2000) es una de las figuras más destacadas del teatro español de posguerra. Nació en Guadalajara y estudió Bellas Artes en Madrid antes de dedicarse plenamente al teatro. Durante la Guerra Civil Española combatió en el bando republicano y, al finalizar el conflicto, fue encarcelado. En prisión, compartió celda con el poeta Miguel Hernández y fue condenado a muerte, aunque logró el indulto en 1947. Estas experiencias marcaron profundamente su obra, que se caracteriza por una reflexión constante sobre las limitaciones humanas y las injusticias sociales.
El teatro de Buero Vallejo gira en torno a temas existenciales y sociales. Sus obras abordan cuestiones como la búsqueda de la verdad, la libertad y la felicidad, pero también reflejan cómo estas aspiraciones se ven truncadas por las condiciones sociales y políticas. A través de su producción teatral, Buero plantea interrogantes al espectador sin ofrecer soluciones cerradas, fomentando así la reflexión personal y colectiva. Para él, la tragedia tiene una doble función: inquietar al público mediante la exposición de conflictos complejos y, al mismo tiempo, ofrecer una vía de curación al invitar a la superación personal y a la lucha contra las fuerzas opresoras.
Una de las características más innovadoras de su teatro es el uso de los llamados «efectos de inmersión». Estos recursos buscan que el público experimente las mismas limitaciones que los personajes. Por ejemplo, si los protagonistas son ciegos o sordos, el escenario se oscurece o el sonido se distorsiona para que el espectador comparta su percepción del mundo. Este efecto aparece por primera vez en En la ardiente oscuridad (1950) y se desarrolla en obras posteriores como El sueño de la razón (1970) o La fundación (1974), intensificándose a medida que avanza su trayectoria.
La producción de Buero Vallejo suele dividirse en tres etapas. La primera, conocida como etapa existencial, abarca hasta 1955 y se centra en cuestiones filosóficas sobre el sentido de la vida y la aceptación de las limitaciones humanas. Destacan en este periodo Historia de una escalera (1949) y En la ardiente oscuridad (1950). Historia de una escalera es un drama que refleja la frustración de varias generaciones de familias humildes que viven en el mismo edificio. La obra presenta un ciclo de ilusiones y fracasos que se repite con cada generación, aunque deja abierta una pequeña esperanza de cambio en los personajes más jóvenes.
La segunda etapa de su producción, entre 1955 y 1971, se caracteriza por el desarrollo del drama histórico, aunque la ambientación en épocas pasadas le sirve como pretexto para tratar problemas contemporáneos como la hipocresía, la corrupción y la represión política. En Un soñador para el pueblo (1958), aborda la figura de Esquilache, un reformista que intenta modernizar España, pero fracasa ante los intereses reaccionarios. En Las Meninas (1960), presenta el enfrentamiento entre el artista y el poder, utilizando la figura de Velázquez para reflexionar sobre la verdad y la justicia.
En la tercera etapa, que se inicia en 1971, Buero intensifica los contenidos políticos y sociales, además de profundizar en las innovaciones técnicas. Utiliza recursos como el espacio múltiple, la mezcla de realidad e imaginación, el desorden cronológico y efectos de luminotecnia para implicar emocionalmente al espectador. Destaca La fundación (1974), considerada una de sus obras maestras, en la que varios presos políticos viven en una celda que, en la mente del protagonista, se transforma en un lugar idílico. Esta obra simboliza la lucha por la libertad y el compromiso con la realidad. También es importante La detonación (1977), que aborda el suicidio de Larra como consecuencia del desencanto político y social.
En sus últimas décadas, Buero Vallejo continuó escribiendo, aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que con sus primeras obras. A lo largo de su carrera, mantuvo un compromiso ético y estético que lo convirtió en una voz crítica frente a la realidad de su tiempo. Su teatro, marcado por la profundidad psicológica de los personajes y la riqueza simbólica de los espacios escénicos, invita al espectador a reflexionar sobre las injusticias sociales y las posibilidades de superación personal y colectiva.