El Personaje Teatral: Exploración y Construcción

El Proceso de Exploración del Personaje

El estudio del personaje es un proceso de exploración y estudio con el que se pretende conocer sus características y su funcionamiento dramático. Para darle vida, los actores y el director deben realizar previamente un estudio exhaustivo del mismo. Solo así se construyen personajes consistentes y orgánicos, que sean creíbles y expresen con fidelidad aquello que el autor pretende comunicar al espectador.

Fuentes de Información

Cuando existe un texto escrito que da soporte a la obra dramática, este se convierte en la principal fuente de información. Se deben estudiar estas informaciones para luego poder transformarlas en acciones reales sobre un escenario. Conocemos la identidad del personaje y su participación en la acción a través de:

• Acotaciones: Informan sobre las actitudes y la conducta de un personaje, así como sobre su forma de vestir, de moverse o de hablar.
• Parlamentos: Las palabras de los personajes nos permiten conocerlos en profundidad. Lo que dicen sobre sí mismos y sobre los demás revela rasgos de su personalidad y de su forma de ver la vida. Nos informan sobre sus deseos, intenciones, opiniones… Especialmente reveladoras son las confesiones que un personaje hace a otro.

En el texto, el personaje aparece definido tal como el autor ha querido presentárnoslo, si bien todo el texto contiene lagunas o huecos que el actor debe rellenar. Para ello, debe dotarle de una biografía particular que motive su actuación y su manera de responder ante las circunstancias.

Esquema General del Estudio

Para abordar con criterio el estudio de un personaje, hay que analizar el modo en el que se manifiesta dentro del contexto general de la obra. Los principales elementos a considerar son:

• ¿Qué tipo de personaje es?
• ¿Qué rasgos y características tiene el personaje?
• ¿Cómo está implicado en la situación, la acción y el conflicto?
• ¿Qué lugar ocupa en escena y en la obra?
• ¿Cómo y con quién se relaciona?
• ¿Cómo evoluciona?

Rasgos y Características

La identidad del personaje viene definida por las siguientes características:

• Físicas: Se refieren al aspecto físico del personaje y a los atributos que lo definen de manera externa (nombre, edad, altura, etc.).
• Sociológicas: Rasgos que lo definen socialmente.
• Psicológicas: Rasgos relativos a su mundo interior. El carácter es la línea de fuerza que lo define. Es conveniente escoger las tres características principales. El perfil psicológico informa de su manera de pensar y sentir, de su actitud ante la vida, sus gustos, preferencias o manías.

La Construcción del Personaje Escénico

Concepto y Características

Entendemos por construcción del personaje el proceso de creación material por el cual el personaje deja de ser un ente imaginario para convertirse en una realidad concreta y viva al ser encarnado por un intérprete. Se trata de convertir al personaje literario en un personaje escénico. El intérprete, guiado por el director, es el responsable de crear la imagen del personaje. El actor debe construir la imagen de su personaje con los materiales que le brinda su propia persona; es decir, modelar una escultura viviente utilizando su cuerpo, su voz y su inteligencia, de la manera más expresiva posible.

Caracterización

El objetivo de este proceso es revelar quién es y qué le pasa al personaje en la obra. Ha de reflejar la individualidad de ese personaje concreto, por lo que la construcción debe ir más allá de los rasgos generales de un tipo de personaje, creando una personalidad individual y dándole una forma particular y única.

Procedimientos de Creación

Las tareas que se han de realizar para construir el personaje tienen como objetivo encontrar y utilizar correctamente los diversos recursos expresivos que den vida al personaje en escena. El actor debe recibir y procesar toda la información que encuentre en el medio para construir su personaje (en la calle, en obras artísticas, en su imaginación…). Fuera de la escena, habrá de investigar, analizar, observar. Dentro de la escena, tiene que realizar propuestas concretas de transformación mediante ejercicios, juegos escénicos, improvisaciones y otra serie de procedimientos que le sirvan para crear al personaje que ha de representar.

Las diversas facetas de esta caracterización psicofísica se relacionan entre sí y funcionan de manera conjunta, completando la imagen global que se va a ofrecer al espectador en la representación.

Ejes de Construcción

1. Pensamiento y Emoción: La Psicología del Personaje

Cuando se construye un personaje, hay que hacer todo lo posible por atrapar su esencia, por comprender y apropiarse del fondo y contenido que hay dentro de su ser. Para caracterizar psicológicamente a un personaje se requieren elementos racionales (pensamientos, ideas, opiniones y conocimientos) además de aspectos emocionales (actitudes, gustos y deseos). La parte racional y la emocional deben fundirse para actuar como un todo único.

En este proceso de búsqueda y construcción, es necesario plantearse:

• ¿Cómo piensa? ¿Cuál es su percepción del mundo? ¿Cuáles son sus ideas?
• ¿Cómo siente? (Sentimientos, sensaciones, emociones y estados de ánimo).
• ¿Cómo se relaciona? (La relación que establece con los distintos elementos físicos de la escena, así como los vínculos que establece con otros personajes).
• ¿Cómo es su imaginario íntimo?
• ¿Cómo afronta la realidad en la que vive?

Es habitual interrogarse desde el personaje:

• ¿Quién soy?
• ¿Quién me gustaría ser?
• ¿Cuáles son mis circunstancias?
• ¿Dónde estoy?
• ¿Qué me rodea?
• ¿En qué tiempo vivo?
• ¿Cuál es mi relación con el entorno y con el resto de los personajes?
• ¿Qué quiero?
• ¿Qué me lo impide?
• ¿Qué hago para conseguir mi objetivo?

2. Gestualidad y Movimiento: El Cuerpo del Personaje

Hay que caracterizarlo físicamente: construirle un cuerpo en el que habitar y a través del cual pueda expresarse. Su aspecto físico debe ser coherente con su psicología y reflejar su personalidad. El intérprete puede producir asombrosos efectos de cambios en su persona: múltiples tipos de cojeras, anomalías en su columna vertebral, parálisis de manos y brazos.

Es necesario descubrir cómo es el cuerpo del personaje que tenemos que construir y cómo se manifiesta ante los demás a través de su gestualidad y su movimiento. Para dotar a nuestro personaje de la forma física más adecuada, es interesante preguntarnos:

• ¿Realiza el personaje algún movimiento involuntario?
• ¿Cómo es su mirada?
• ¿Cómo es su caminar?
• ¿Cómo es su postura corporal?
• ¿Cómo son sus gestos?
• ¿Qué tipo y calidad de movimiento es adecuado para el personaje?
• ¿Dónde se sitúa su foco de movimiento?
• ¿A qué velocidad se mueve?
• ¿Cómo es su orientación en el espacio?
• ¿Cómo es su kinesfera?

El cuerpo ofrece muchísimas posibilidades de transformación, permitiendo que surjan muchos personajes distintos según se combinen las variables anteriores. Para construir la corporalidad de nuestro personaje, habrá que encontrar las peculiaridades físicas que lo definan con mayor eficacia y expresividad.

3. Lenguaje y Modulación: La Voz del Personaje

Nos planteamos las siguientes cuestiones:

• ¿Tiene su aparato fonador alguna particularidad o limitación?
• ¿Cómo respira?
• ¿Cuál es el tono o altura de su voz?
• ¿Cómo es su timbre?
• ¿A qué volumen habla?
• ¿Cómo es su pronunciación?
• ¿Qué entonaciones y pausas utiliza?
• ¿Cuánta fluidez tiene al hablar?
• ¿Cómo maneja la acentuación?

4. Vestuario y Maquillaje: La Apariencia Exterior

La caracterización adicional del personaje consiste en crearle un aspecto exterior a través del vestuario, el maquillaje, el peinado, etc. No debe ser solamente estética, sino también significativa. Para crear el aspecto exterior más adecuado, nos preguntamos:

• ¿Qué ropa lleva?
• ¿Cómo va maquillado?
• ¿Cómo va peinado?
• ¿Qué complementos utiliza?

Movimientos Históricos y Dramaturgos Clave

El Teatro Romántico en Europa

Constituye un cambio trascendental en la historia escénica. Los autores dejan de preocuparse tanto por los aspectos técnicos y compositivos para centrar la atención en la temática. La primera preocupación es desprenderse de la reducción del teatro neoclásico, cuyas reglas les impedían reflejar su visión desbordante de la vida, sus exaltados sentimientos y las arrebatadoras pasiones que dominan la conciencia de sus personajes. Por ello, rompen las sagradas normas de la preceptiva clásica.

Características del Teatro Romántico

Tuvieron la idea de crear un teatro totalizador que agrupara cuantas formas y géneros se habían dado a lo largo de la historia. Presenta las siguientes características:

• Fusionan formas artísticas. Combinan lo cómico y lo trágico. Alternan la prosa y el verso y usan polimetría.
• Rechazan la regla de las tres unidades para jugar con el espacio y el tiempo.
• Renuncian al decoro y optan por representar en escena contenidos escabrosos.
• Su finalidad es conmover y emocionar al público.
• Usan un lenguaje altisonante, emocional y exaltado.
• Centran los temas en lo histórico, la fatalidad y el amor pasional.
• Presentan personajes singulares y apasionados, marcados por un destino fatal.
• Crean ambientes tenebrosos e inhóspitos, en los que aparecen contenidos de ultratumba.
• Realizan puestas en escena espectaculares con múltiples recursos visuales.
• La acción se desarrolla de forma vertiginosa e inverosímil.

Dramaturgos Románticos Europeos

Goethe

Desarrolló una enorme producción teatral en su primera época con obras difíciles de representar, pero interesantes por las novedades que aportan. Posteriormente llevó a cabo una ingente tarea teatral en Weimar, donde intentó instaurar un teatro nacional a modo de Francia. Su obra más importante es la tragedia de Fausto, que se ha convertido en un clásico de la literatura mundial.

Cuenta, en dos partes, el pacto de Fausto con el diablo, al que entrega su alma para recuperar la juventud y alcanzar el conocimiento. En la segunda parte, recoge los amores del protagonista que terminan de forma trágica.

Schiller

Participa en el Sturm und Drang con la tragedia en cinco actos Los Bandidos, donde muestra su rebeldía juvenil y su obsesión por la libertad. Compuso en verso la tragedia Don Carlos, sobre la figura del hijo de Felipe II de España. Carlos se rebela contra la boda de su padre con Isabel, que también estaba enamorada de Carlos.

Víctor Hugo

Proclamó la libertad creativa y la necesidad de renovar el teatro dotándolo de mayor verismo. Expone los principios dramáticos en el prefacio al drama Cromwell, donde otorgaba al teatro cualidades casi redentoras; sin embargo, la obra fue censurada. En 1830 estrenó Hernani, y destacó la batalla entre clasicistas y románticos por el espacio escénico. Se ganó al público y fueron apareciendo Le Roi S’amuse, Lucrecia Borgia, María Tudor, entre otras nacidas de su pluma.

Otros dramaturgos destacados son: Alfred de Musset, por su obra maestra escrita en prosa; Alfred de Vigny, por La esposa del mariscal; y Alexandre Dumas, por Antony. A pesar del éxito romántico, el enfrentamiento a lo largo de los años dio varios episodios violentos antes de que se diera por superado el movimiento.

El Teatro Romántico en España

A comienzos del siglo XIX, los autores neoclásicos consiguen al fin los esperados éxitos, pero en dura competencia con comedias barrocas refundidas y comedias de magia. Esta resistencia, junto con la guerra contra Napoleón y la férrea censura que estableció Fernando VII, fueron las causas de que el romanticismo arraigara muy tarde en España. En el teatro, ambos movimientos convivieron en permanente disputa; con frecuencia, los mismos autores escribieron con una y otra orientación en distintas fases de su producción.

José Zorrilla

Fue un literato vocacional que desarrolló dotes especiales para recrear ambientes medievales e historias legendarias. Cultivó todos los géneros literarios y adquirió fama como poeta lírico, épico y dramático. Sus obras teatrales le brindaron los mayores éxitos, y la creación del mítico Don Juan le reserva un puesto en el Olimpo de la dramaturgia universal. A través de este personaje, transmite la esencia de la teatralidad más viva.

Su trayectoria dramática se fragua a partir de El zapatero y el rey, con el que obtuvo su primer éxito. En 1844 estrenó Don Juan Tenorio, que constituye la cumbre de su teatro. Su dramaturgia consta de más de 30 títulos de composición irregular, pero siempre seguidos por el gran público. Una de sus últimas grandes obras versa sobre el famoso pastelero de Madrigal, que se hizo pasar por Sebastián, rey de Portugal.

Realismo y Naturalismo (Siglo XIX)

A mediados del siglo XIX, el Romanticismo está agotado. Irrumpe el Naturalismo de Émile Zola y de un grupo de novelistas que cosecharon fracasos en escena. La teoría se establece con nitidez en el teatro de Zola. Las mejores obras de Henri Becque tuvieron una vida exigua en escena. La taberna de Zola apenas se libró del fracaso.

André Antoine y el Théâtre-Libre

Modesto aficionado al teatro, su objetivo era mostrar al hombre como es, sin prejuicios sociales, con sus debilidades. Fundó el Théâtre-Libre en 1887 y llevó a cabo una auténtica revolución al incorporar acciones atractivas por su simplicidad y rapidez. Desterró lo artificioso y lo falso e impuso la interpretación natural, como si los actores fueran ajenos al público.

Los Meininger y la Escuela Libre en Alemania

Se produjo un hecho que marcaría la evolución del teatro. El duque Jorge II configuró un equipo de actores profesionales y asumió la dirección del grupo para poner en escena obras que reflejaran con fidelidad la realidad histórica que tanto le interesaba.

Dramaturgos del Siglo XX y Vanguardias

Luigi Pirandello

Se aparta del Naturalismo por la vía del contenido intelectual, expresándose fundamentalmente en el texto. Se inicia con obras costumbristas, de fondo humano y tono humorístico que denuncian prejuicios burgueses. Este naturalismo va quedando atrás para mostrar con profundo pesimismo la soledad en que vive el ser humano, fruto de la incomunicación y la incomprensión. Los temas giran en torno a preocupaciones existenciales: el sentido de la vida, el paso del tiempo, la búsqueda de la verdad…

Obras destacadas: A cada uno su verdad, Así es si así os parece, Seis personajes en busca de autor y Esta noche se improvisa.

Antonin Artaud: El Teatro de la Crueldad

Emerge como una figura clave en el teatro contemporáneo. La escena del siglo XX es deudora de su radical propuesta escénica, recogida en los distintos artículos de su libro: El teatro y su doble.

Bertolt Brecht

El más universal y completo de los dramaturgos del siglo. Parte del materialismo histórico como sostén ideológico y del principio de utilidad crítica y transformadora del arte para asignar sentido político y carácter científico a sus creaciones dramáticas.

Arthur Miller

Convertido en un clásico en vida. Recrea ambientes urbanos en los que el individuo sufre la tragedia constante en su vida cotidiana. Cuestiona el valor del «sueño americano». Su genial obra es La muerte de un viajante. El estilo sencillo y poético de sus obras y la conciencia social del autor han cautivado a los espectadores de todo el mundo hasta nuestros días.

Dramaturgos Españoles Clave

Ramón María del Valle-Inclán

Es un innovador al que intentan superar Unamuno, Azorín, Los hermanos Machado, etc. Quizá sea el dramaturgo más innovador de las letras españolas, evolucionando desde el Simbolismo hasta el peculiar expresionismo del esperpento.

Etapas de Valle-Inclán

• El ciclo mítico: Destaca en las Comedias bárbaras.
• El ciclo de las farsas: Lo componen La cabeza del dragón, La marquesa Rosalinda y La enamorada del Rey. Forjan personajes deformados del esperpento.

Federico García Lorca

Siempre manifestó sus preferencias por los géneros. Comenzó a escribir teatro muy joven. Mariana Pineda fue su primer éxito. Termina la década con La Zapatera prodigiosa, una historia sobre el amor insatisfecho.

De su creación surrealista destacan El público, una alegoría sobre la relación entre el autor teatral y el público, y Así que pasen cinco años, drama existencial sobre el miedo y la incapacidad de actuar de un joven angustiado.

Los últimos años asocia contenidos de raíz tradicional con el rigor formal y escénico y un lenguaje poético brillante cargado de ecos populares. Es la etapa de plenitud, formada por las tres tragedias de fama mundial: Bodas de sangre, La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera.

El Teatro del Absurdo

Renuncian al discurso lógico y a las reglas tradicionales de la escena, mediante situaciones dramáticas absurdas y parlamentos incoherentes. El escenario se convierte en un espacio desolado, oscuridad y desconcierto que provoca en el espectador angustia y vacío emocional.

Dramaturgos del Absurdo

• Eugène Ionesco: Considerado el iniciador. Se basaba en situaciones cotidianas que eran ridiculizadas al aplicarles un galimatías verbal sin sentido. Temas: el absurdo de la existencia, la incomunicación, la enajenación humana y el miedo a la muerte. Obra: El rinoceronte.
• Samuel Beckett: Culminación creativa del Teatro del Absurdo. Aunque su obra dramática no es extensa, la intensidad trágica y su peculiar estética lo han convertido en el autor más influyente del teatro contemporáneo. Obra: Esperando a Godot.
• Fernando Arrabal: Teatro ceremonial en el que impera el caos y la provocación. Crea el movimiento Pánico, carente de reglas, inspirado en el happening y caracterizado por la búsqueda del terror. Obra: El arquitecto y el emperador de Asiria.
• Theatre (Colectivo): Su objetivo era convertir la escena en un campo de acción del pacifismo. Se basaba en los principios anarquistas que hacen del grupo una especie de comuna libertaria. Se inspiraba en Artaud; sus espectáculos se convierten en ceremonias ritualistas donde la representación deja paso a experiencias vivas de gran efectismo y violencia.

El Espectáculo Escénico y la Producción Teatral

Concepto y Características del Espectáculo Escénico

Debe ser capaz de atraer la atención y conmover el ánimo de quienes lo presencian. Rasgos fundamentales:

• Temporalidad y espacialidad: Las actuaciones siempre se realizan en un tiempo y espacio concreto.
• Presencia e inmediatez: La actuación constituye la base fundamental. Esta comienza cuando la acción teatral se pone en contacto directo con el público.
• Materialidad y acción: De carácter material, puesto que los elementos imaginarios y abstractos se convierten en elementos físicos concretos.
• Pluralidad de medios expresivos: Medios poéticos, plásticos y sonoros.
• El espacio escénico como entorno: Toda función debe celebrarse en un espacio escénico donde se desarrolle la acción y se reúnan actores y espectadores.

Tipologías Básicas del Espectáculo Escénico

Dado que todos los espectáculos escénicos comparten la teatralidad como característica común, el teatro nos sirve como patrón ideal para entender las características de cualquier espectáculo escénico.

Ejes de Clasificación

Según su Procedencia

• Oriental: Abarca todas las expresiones escénicas de origen asiático. Comparten un fuerte sentido de lo espiritual y lo tradicional. Es presentacional, se aleja de la acción dramática y la representación realista.
• Occidental: Abarca aquellas expresiones escénicas que hunden sus raíces en el teatro de la Grecia clásica (el teatro europeo y casi todo el americano). Tienen un claro componente conceptual y son claramente representacionales.

Según su Modelo de Construcción

• Clásico: Hace referencia a las obras creadas en el periodo grecolatino y las producidas en los Siglos de Oro.
• De Vanguardia: Se desarrolló en Europa a comienzos del siglo XX, buscando la innovación en el punto de partida de la creación.

Especialidades Teatrales

Modalidades de espectáculo que utilizan fórmulas de representación muy definidas.

De Tipo Textual

• Cuentacuentos: Espectáculos de pequeño formato, a cargo de una sola persona. Los personajes no intervienen en la escena a través de la acción directa entre ellos, sino a través del relato de un narrador que va describiendo los acontecimientos.
• Café-Teatro: Espectáculos teatrales que se hacen en bares o cafeterías acondicionados para acoger pequeñas representaciones, monólogos o pequeñas obras teatrales.

De Tipo Gestual-Corporal

• Mimo: Trata de expresar situaciones y emociones a través del gesto y del movimiento corporal. Los actores pueden pasar de un personaje a otro con facilidad, gracias a la concentración poética y simbólica de sus gestos, que caracteriza a los personajes-mimo.
• Clown: Significa literalmente payaso. Hacen reír al público con sus bromas, sus ridículos trajes y sus tontas situaciones. Aunque algunos utilicen la palabra, lo que predomina claramente es la expresión gestual y corporal. Es inocente e ingenuo, se expresa con gestos y utiliza una nariz roja.
• Bufón: Hace reír al público mediante un humor ácido, osado, criticando a la sociedad. Muestra el lado oscuro de ciertas realidades sociales, pero con una burla más profunda y punzante. Se burlan de todo y convierten en juego todo lo dañino.
• Commedia dell’Arte: Estilo cómico mediante un estilo interpretativo de máxima exageración, usando máscaras y temas de personajes fácilmente reconocibles. Mezcla lo poético con lo grotesco; todas las situaciones se llevan al límite.

Rasgos de la Commedia dell’Arte

• Se basan en una estructura argumental predefinida.
• Se utilizan chistes o gags.
• La trama tiene una agilidad y un ritmo vertiginoso.
• Se asocian a la improvisación.
• El lenguaje es extracotidiano.
• Son ingenuos y maliciosos.
• Se utiliza la media-máscara expresiva solo en los hombres.

De Tipo Musical

• Espectáculos de variedades: Amplio grupo de espectáculos generalmente nocturnos, compuestos a base de diversos números.
• El Vodevil: Comedia ligera de carácter picante.
• El Music-Hall: Espectáculo que mezcla canción, comedia y baile de estilo similar al Vodevil.
• El Cabaret: Espectáculo que surge en locales nocturnos parisinos, como una forma provocadora de diversión. Incluye numerosas sombras, el baile del can-can al son de la orquesta, actuaciones de travestis, etc.
• La Revista: Espectáculo típicamente español que incorpora elementos del music-hall, el Sainete y la Zarzuela.
• El Burlesque: Espectáculos teatrales de carácter paródico y provocador.

La Operación de Puesta en Escena

Es el proceso de montaje y realización material de una obra escénica, durante el cual se determina y ordena todo lo relativo al modo en que se debe llevar a cabo la representación. Las personas encargadas plasman sobre el escenario la obra, convirtiéndola en una realidad física según sus propios criterios artísticos y sus posibilidades de creación. Esta operación implica siempre un tránsito del espacio escénico vacío al espacio escénico significante.

Equipo Técnico

Se lleva a cabo la fabricación de los elementos físicos de la escena.

• Maquilladores y peluqueros: Maquillan y peinan a los intérpretes.
• Asistentes de vestuario: Ayudan a vestirse.
• Técnicos de iluminación: Controlan las luces del espectáculo.
• Tramoyistas: Manejan la maquinaria escénica.
• Regidor: Se encarga de la organización y coordinación técnica de la representación del espectáculo en vivo.

Equipo Administrativo

• Productor: Máximo responsable de la gestión y planificación de los recursos necesarios para llevar a cabo el proyecto escénico.
• Asesores jurídicos: Vigilan y gestionan los aspectos legales de la obra.
• Encargados de prensa y marketing: Se encargan de informar y relacionarse con los medios de comunicación y de organizar la publicidad del espectáculo.
• Personal de taquilla y sala: Cobran entradas y acomodan a los espectadores.
• Contables: Registran y supervisan el estado financiero de la producción.
• Programadores: Deciden la programación de un teatro o sala.
• Distribuidores: Especialistas en la venta y distribución del espectáculo.