El Teatro Español de Principios del Siglo XX: De la Tradición a la Vanguardia

Condicionantes Comerciales y Frentes Teatrales

El teatro de esta época se caracteriza por unos fuertes condicionantes comerciales que imponen el interés de los empresarios. Las ganancias estaban garantizadas con obras poco complejas destinadas a un público burgués conservador. Por tanto, se coarta la libertad en los temas y las formas. Por ello, el teatro español de principios de siglo se puede repartir en dos frentes:

• El teatro que triunfa (continuador, en parte, del de fines del XIX): la comedia burguesa, el teatro en verso y el teatro cómico.
• El teatro innovador (en las técnicas, en el enfoque ideológico…): las experiencias teatrales del 98, en especial, Valle-Inclán; y los impulsos renovadores de las vanguardias y del Grupo del 27, en especial, García Lorca.

Autores Fundamentales del Teatro Innovador

Ramón María del Valle-Inclán: La Revolución del Esperpento

Es el autor más importante del teatro en España; supone una revolución en la historia del teatro español y la semilla de los nuevos caminos abiertos por el teatro actual. Su obra teatral suele agruparse en tres ciclos:

• Ciclo mítico: la acción transcurre en una Galicia mítica, intemporal. Se representa una sociedad arcaica, elegida para ofrecer la visión de un mundo en el que la propia vida se rige por instintos: Comedias bárbaras, Divinas palabras.
• La farsa: obras situadas en un espacio más ridículo, propio del siglo XVIII: jardines, cisnes, flores…, en las que introduce personajes de la farándula, el uso de disfraces y el teatro dentro del teatro, buscando la ruptura del efecto de realidad que producen las obras dramáticas: La marquesa Rosalinda.
• El esperpento: Luces de bohemia (1920) y la trilogía Martes de carnaval. El esperpento consiste en abordar asuntos graves desde una perspectiva burlesca; al combinar la seriedad de los asuntos con la risa, brota lo grotesco. Es un intento de presentar la realidad española, pero deformándola: cosifica y animaliza los personajes, personifica animales y objetos, selecciona los aspectos más indignos y los mezcla con los más delicados, une el lenguaje lírico y elevado a la expresión más soez…

Luces de bohemia inicia la estética del esperpento y en ella se recrean las últimas horas de vida del poeta Max Estrella que, en compañía de su amigo Don Latino de Hispalis, recorre las calles de Madrid, lo que le sirve a Valle para hacer una crítica de la realidad española.

Federico García Lorca: Frustración y Plenitud Dramática

El teatro del 27 significó una importante renovación con tres propósitos comunes: romper con el teatro que triunfaba comercialmente, acercar el teatro al pueblo y, al mismo tiempo, incorporar las nuevas tendencias vanguardistas. De entre todos ellos destacó Federico García Lorca.

La producción dramática de Lorca gira en torno al tema de la frustración, a través de un lenguaje cargado de connotaciones. En su teatro, además de la palabra, cobran importancia la música, la danza y la escenografía.

Su primer éxito le llega con Mariana Pineda, drama histórico en la línea del teatro poético. A continuación, escribe dos farsas (La zapatera prodigiosa y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín) y varias piezas breves de teatro de guiñol. Denominó “comedias imposibles” a las obras creadas bajo el influjo surrealista: Así que pasen cinco años, El público y Comedia sin título.

Durante los años treinta escribe obras teatrales que alcanzan enorme éxito comercial y suponen la plenitud de su teatro:

• Bodas de sangre
• Yerma
• La casa de Bernarda Alba

Todas ellas protagonizadas por mujeres, cuya situación de marginación social es tema común de las tres. Se desarrollan en un ambiente rural en el que las fuerzas naturales imponen un destino trágico. La casa de Bernarda Alba es la cumbre de su teatro. Inspirada en un suceso real, desarrolla la lucha entre el principio de autoridad, encarnado en Bernarda, quien dicta años de luto para sus hijas por la muerte de su marido, y el principio de libertad, representado por Adela, su hija menor, quien mantiene relaciones ocultas con Pepe el Romano, prometido de su hermana Angustias. La obra transcurre en un ambiente hermético y finaliza en tragedia: Adela se suicida al creer muerto a Pepe después de haberle disparado Bernarda.

La Poesía Comprometida y la Generación del 36

Al inicio de la Guerra Civil, todos los poetas participan activamente en defensa de sus ideales. Sin embargo, como la mayoría de ellos apoyaron la causa republicana, es en este lado donde veremos los frutos poéticos más logrados.

Miguel Hernández (1910-1942): El Grito Angustiado

Miguel Hernández participa en la Guerra Civil y muere preso en la cárcel de Alicante. Su obra, a caballo entre el 27 y la Generación del 36, es una de las más grandes y originales de la poesía española del siglo XX. La poesía de Hernández se caracteriza por su tono vigoroso y angustiado, que expresan la fuerza del grito y el desgarro. Distinguimos varias etapas en su quehacer poético:

1. Primera etapa: Comienza con Perito en lunas, obra de influencia barroca y vanguardista. En 1936 publica El rayo que no cesa, libro fundamental que contiene poemas que expresan el sufrimiento del amor no correspondido a través de imágenes surrealistas y de símbolos como el rayo, y elementos minerales o puntiagudos, como el cuchillo.
2. Segunda etapa o poesía comprometida: Cuando estalla la guerra, pone su poesía al servicio de la causa republicana. Destacan Viento del pueblo (donde aparece el pueblo oprimido y el poeta como viento de salvación) y El hombre acecha (1939), que refleja ya el pesimismo por la muerte y los horrores de la guerra.
3. Última etapa (en prisión): Al acabar el conflicto, lo detienen y en la cárcel escribirá los poemas reunidos en el Cancionero y romancero de ausencias: retoma el tema amoroso, pero desde el dolor por la ausencia de la mujer y el hijo, y la falta de libertad; la intensa emoción se expresa con recursos propios del Neopopularismo.

Gloria Fuertes: Autenticidad y Compromiso Social

La poesía de Gloria Fuertes se caracteriza por su variedad de temas, por su humanidad y ternura y por su autenticidad y compromiso social. Su lenguaje es directo y vivo, atento a inesperadas imágenes, juegos de palabras, humor y notas irónicas, siempre en verso libre y de personal disposición. Además de su numerosa poesía para niños, son obras suyas Aconsejo beber hilo, Que estás en la tierra, Poeta de guardia e Historia de Gloria.

Poesía de Posguerra: Existencialismo y Realismo Social

Blas de Otero: Evolución de la Poesía Española (1939-1980)

Es el gran poeta de la posguerra y su obra resume la evolución de la poesía española desde 1939 hasta 1980.

1. Etapa existencialista: Se centra en la búsqueda angustiosa de Dios, del amor y de la existencia humana. Destacan Ángel fieramente humano (1949) y Redoble de conciencia (1951).
2. Etapa social: Destacan el compromiso y solidaridad testimonial con los problemas de España. Blas de Otero inicia este nuevo ciclo con Pido la paz y la palabra y Que trata de España. Otero se dirige ahora “a la inmensa mayoría”; de acuerdo con ello buscará un lenguaje más sencillo, por el deseo de ser más accesible y contribuir a “transformar el mundo” con la poesía.
3. Última etapa: Se percibe un nuevo cambio de rumbo en Historias fingidas y verdaderas, Mientras y Hojas de Madrid. En la temática, aunque no desaparezcan los problemas sociales y políticos, hay una mayor presencia de la intimidad. Pero lo más significativo se observa a nivel formal: preferencia por formas métricas muy libres; una liberación del lenguaje, basada fundamentalmente en imágenes insólitas; y con ello un enriquecimiento del lenguaje.

Jaime Gil de Biedma: La Experiencia y el Paso del Tiempo

La poesía de Gil de Biedma constituye un eslabón entre los poetas sociales y los creadores más jóvenes de los sesenta. Al igual que los poetas de su promoción, la experiencia tiñe toda su poesía. El tema principal de su obra es: el paso del tiempo, vinculado con el recuerdo y la reflexión sobre las experiencias personales, desde la infancia a la madurez. Al paso del tiempo se liga el amor, otro de sus temas importantes; además, los espacios urbanos están muy presentes en sus textos.

En Las personas del verbo se recogen, reagrupados y con algunos añadidos y supresiones, los poemas de los siguientes libros:

• Compañeros de viaje: Aparece el mundo de la infancia y de la adolescencia; la amistad y también el amor terminado. Los últimos poemas tratan del dolor y el sufrimiento en la historia de España.
• Moralidades: Al recuerdo del pasado y la nostalgia por todo lo perdido, se une la reflexión sobre el tiempo histórico, los valores de la burguesía de la época, la Guerra Civil y la situación de España.
• Poemas póstumos: En la madurez del poeta se intensifican la tristeza por el inevitable paso del tiempo y la desilusión por lo no conseguido.

La Novela de Posguerra: Tremendismo y Realismo Social

Dos fechas suelen señalarse como comienzo de la novela de posguerra: 1942, con La familia de Pascual Duarte de Cela, y 1945, con Nada de Carmen Laforet. Con la publicación de La colmena de Cela en 1951, se abrió un nuevo rumbo: el Realismo Social.

Características del Realismo Social

Es una literatura de temática social, cuyas principales características son:

• La estructura aparentemente sencilla.
• El relato objetivista basado en técnicas cinematográficas.
• El gusto por el personaje colectivo.
• La concentración espacio-temporal.
• La preferencia por el lenguaje desnudo y directo.

En 1962 surge Tiempo de silencio de Luis Martín-Santos, obra inaugural de la nueva etapa de nuestra narrativa. El mérito de esta obra no está en los temas ni en el análisis social de la época, sino en el lenguaje y la explotación de las innovadoras técnicas narrativas.

Carmen Laforet: Nada y el Testimonio de la Posguerra

Carmen Laforet (1921-2004) ganó el primer Premio Nadal (1945) con Nada, su primera novela, que se considera una de las obras más importantes de la posguerra. De tendencia realista y estilo sencillo, narra el proceso de aprendizaje y maduración de Andrea, una joven que comienza sus estudios universitarios en Barcelona llena de ilusiones. La pobreza y degradación moral de la familia con la que convive adquieren una gran importancia por su carácter testimonial de la España de posguerra. Otros de sus libros son La isla y los demonios (1950), La mujer nueva (1955) y algunos libros de cuentos como La llamada (1954).

Camilo José Cela (Premio Nobel de Literatura): Experimentación y Sátira Grotesca

Aunque su obra es muy variada, se pueden apreciar en ella unos temas comunes: la Guerra Civil y sus consecuencias de miedo y miseria física y moral; y la sociedad española en su conjunto, a la que satiriza grotescamente. Su estilo se caracteriza por la riqueza expresiva, patente en la descripción de tipos y ambientes. También se distingue por su afán de experimentar nuevas técnicas narrativas. En su trayectoria narrativa se aprecian varias etapas:

1. Primera etapa (años cuarenta): Está marcada por el reflejo existencial de la vida española de posguerra. A ella corresponden La familia de Pascual Duarte, novela sórdida que inaugura el tremendismo, y Pabellón de reposo.
2. Segunda etapa (años cincuenta): Introduce el realismo social y la renovación formal con La colmena (1951), considerada su obra maestra. Es una novela de personaje colectivo y concentración espacio-temporal que ofrece un retrato de la sociedad española durante la posguerra. La narración se estructura en múltiples secuencias, y en ellas se salta de unos personajes a otros y de unos sitios a otros, de forma que se asiste a unos hechos que suceden a veces de modo simultáneo en lugares distintos.
3. Tercera etapa (desde los años sesenta): En ella se deja influir por la corriente experimental. A esta época pertenecen novelas como San Camilo 1936, en la que refleja de manera grotesca los primeros días de la Guerra Civil en Madrid. Mazurca para dos muertos es una obra de ambiente campesino gallego y magnífica prosa. Su última novela, Madera de boj, tiene como protagonista a la Costa de la Muerte.

Miguel Delibes: Del Realismo Tradicional a la Innovación Técnica

Delibes cuenta con una obra narrativa amplia y continuada, que se inicia en 1947 con La sombra del ciprés es alargada y termina en 1999 con El hereje. En este importante conjunto novelesco se aprecia una notable evolución que va de un relato de concepción tradicional a otro de técnica más novedosa. Esta evolución permite señalar en su producción varios períodos diferentes:

1. Época inicial: Guiada por un fuerte subjetivismo y caracterizada formalmente por un estilo realista. A esta etapa se suelen adscribir La sombra del ciprés es alargada, Aún es de día y Mi idolatrado hijo Sisí.
2. Segunda etapa (Realismo Social): Se abre con un libro de 1950, El camino, novela sobre el despertar a la existencia de un niño, Daniel el Mochuelo. Las ratas es una de las obras más significativas del llamado “realismo social” y retrata la supervivencia casi animal en un medio hostil.
3. Tercera y última etapa (Innovación Técnica): Arranca con Cinco horas con Mario (1966), su obra maestra, que es el monólogo interior de Carmen, una mujer de clase media que está velando el cadáver de su esposo. El contraste entre Mario, un profesor solidario y progresista, y Carmen, de mentalidad cerrada y convencional, refleja el de la España tradicional y el de la progresista. Otras obras: Parábola de un náufrago, El príncipe destronado, Los santos inocentes…

El Teatro de Posguerra: Denuncia Social y Anhelo de Libertad

Al terminar la Guerra Civil, el teatro español había perdido sus autores más importantes porque o habían muerto o se encontraban en el exilio. Mientras en los teatros europeos se representaba un teatro innovador (teatro épico de Bertolt Brecht o el teatro del absurdo de Ionesco o Samuel Beckett), la escena española estaba invadida por un teatro burgués o por el llamado teatro de humor (Jardiel Poncela, Miguel Mihura).

A mediados de la década de 1950, los dramaturgos, disconformes con el teatro vigente, trataron de reflejar y denunciar la violencia y la injusticia social de la posguerra. Desde un punto de vista formal, su teatro va a ser poco innovador, preocupado más por el contenido que por la forma. Los máximos representantes de esta tendencia serán Alfonso Sastre y Antonio Buero Vallejo.

Alfonso Sastre: El Teatro Comprometido y de Protesta

Dedicado plenamente al teatro comprometido y de protesta. Para él, el teatro debe tener la misión de transformar la sociedad injusta en la que vive el ser humano. Su trayectoria teatral evoluciona del siguiente modo:

1. Etapa inicial: Rechaza el teatro español de los primeros años de posguerra a la vez que pretende llevar a cabo una renovación teatral. Su obra más importante es Escuadra hacia la muerte. Es una obra influida por el pensamiento existencialista y prohibida por la censura tras tres representaciones. El texto admite varias interpretaciones: por un lado, puede entenderse como una tragedia antibelicista, en la que se incita a la rebelión contra cualquier forma de tiranía; por otro, se trata de una reflexión sobre cómo asumir el peso de la libertad y de los propios actos.
2. Etapa de evolución: Entiende el teatro como un arte social desde el que trata de despertar la conciencia del público. Destaca La mordaza (1954), protagonizada por un padre despótico que tiene atemorizada a su familia.
3. Etapa de madurez: Radicalización de sus tesis revolucionarias que le lleva a lo que el autor llama “tragedia compleja”. La obra más significativa de este periodo es La taberna fantástica, donde denuncia el abandono social en el que viven los jóvenes de los arrabales de Madrid, empujados al alcoholismo y a la delincuencia.

Antonio Buero Vallejo: La Catarsis y el Anhelo de Libertad

Antonio Buero Vallejo resume en la evolución de su obra la trayectoria del teatro español después de la guerra, ya que sus dramas se han ido adaptando a las distintas corrientes del teatro de este siglo. Todas sus piezas indagan sobre la condición humana. Recupera para el teatro la «catarsis» de la tragedia clásica: sus obras conmueven al espectador y le obligan a tomar conciencia de lo que vive. Es un gran trágico, pero con su tragedia pretende curar e inquietar. El tema de sus obras es el anhelo de libertad: la única forma de alcanzarla es realizarse como ser humano y, para ello, los personajes luchan por vencer situaciones adversas, tanto de carácter social y político, como de carácter personal (las deficiencias físicas, locura, insatisfacción…).

1. 1ª etapa: Teatro existencial (1949-1957): Son obras cuya acción se divide en tres actos, el tiempo es lineal, el espacio escénico es único y verosímil y los personajes aparecen retratados a través del diálogo. Historia de una escalera, su primera obra, es un drama de la frustración vista desde tres generaciones de familias modestas. Esta obra plantea el problema de la imposibilidad, para las clases humildes, de realizar sus ideales de mejoramiento material, a la vez por falta de voluntad y por las circunstancias que le rodean. En En la ardiente oscuridad (1950) trata el tema de la ceguera (muy recurrente en su obra), que simboliza el inconformismo humano ante las propias limitaciones.
2. 2ª etapa: Realidad social (1958-1967): Su producción da un giro: introduce los ambientes y personajes históricos como recurso para evitar la censura y utiliza los denominados efectos de inmersión (recursos que se emplean para acercar el drama al espectador), elipsis temporales, escenarios múltiples, etc. Cultiva el drama histórico: Las Meninas (sobre Velázquez, que simboliza la libertad del artista frente al poder), Un soñador para un pueblo, El concierto de San Ovidio. El tragaluz, su obra más importante, centrada en unos personajes marcados inexorablemente por la Guerra Civil. Se podría decir que es una obra histórica al revés, que en lugar de observar el pasado desde la actualidad, contempla nuestro tiempo desde el futuro, o, lo que es lo mismo, El tragaluz está presentado como si fuese una obra histórica para los «investigadores» de un siglo por venir.
3. 3ª etapa: Temática política y técnicas experimentales (a partir de 1970): Intensifica los efectos de inmersión, continúa con decorados múltiples y los diálogos alcanzan mayor densidad. El sueño de la razón (sobre Goya). La historia es solo una excusa para transmitir candentes temas actuales y retoma un tema histórico, hace vivir al público la enajenada sordera de Goya, de tal forma que, cuando el pintor está en escena, solo se oye lo que él oye (su voz y sus alucinaciones), mientras que, cuando él desaparece, recobramos la audición normal de todos los personajes. Algo semejante ocurre en La fundación, obra en la que aparecen los temas de la tortura, las delaciones y la persecución política. Los últimos estrenos de Buero han sido Caimán, Diálogo secreto, Lázaro en el laberinto y Música cercana.

La Renovación del Teatro Español (Finales de los 60)

A finales de la década de 1960, los dramaturgos españoles consideraron que el drama social había agotado sus posibilidades e iniciaron nuevas líneas basadas en la experimentación. Los autores del nuevo teatro inauguraron una nueva forma centrada más en la estética que en el contenido; se busca lo grotesco, lo onírico, los elementos surrealistas…

Vertientes del Nuevo Teatro Experimental

• Teatro experimental: Cuyo máximo representante será Fernando Arrabal con un teatro basado en una violencia y erotismo extremos. Obras: Pic-Nic o El cementerio de automóviles.
• Teatro vanguardista: Crítica a las distintas dramaturgias de su tiempo y el planteamiento de nuevas formas escenográficas. Francisco Nieva es el máximo representante y Pelo de tormenta es su obra más destacada.
• Teatro independiente: Rechazan el espectáculo conservador mediante la elaboración de una estética particular y un intento de autofinanciación. La palabra pierde la primacía y se potencian los elementos sonoros y visuales, se dan cambios entre los actores y el público que puede participar directamente en la representación.

Compañías de Teatro Independiente en Cataluña

Destacan compañías independientes surgidas en Cataluña como:

• Els Joglars: Su nombre hace referencia al papel que en la Edad Media ejercían los juglares. A través de sus representaciones hacen crítica social mediante la ironía y la fabulación, poniendo el dedo en la llaga en todas aquellas cuestiones incómodas para el poder establecido.
• Els Comediants: Teatro basado en experiencias creativas colectivas sin texto ni directores. Son una “compañía de espectáculo” donde tienen cabida la música, el circo, lo audiovisual, el diseño… Els Comediants han tenido la responsabilidad de realizar espectáculos para los más prestigiosos eventos: desde la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, a la Exposición Universal de Sevilla 1992 o la Expo de Lisboa 98.
• La Fura dels Baus: La base de su trabajo está formada por una gama de recursos escénicos que incluyen música, movimiento, uso de materiales naturales e industriales, aplicación de nuevas tecnologías y la implicación del espectador directamente en el espectáculo. La Fura dels Baus realizó la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 de Barcelona.